Arts numériques

Tennis, Cool3dworld, 2019

Stéphane Noel — 2020-02-04T00:16:12Z

Tennis est une vidéo parmi une centaine d'autres produites par le duo d'artistes Brian Tessler and Jon Baken et diffusée sur différents réseaux sociaux sous le nom Cool 3D World depuis 2015.

La chaine youtube Cool 3D World a été créée en 2015. Elle s'est fait connaitre par les réseaux sociaux, Facebook notamment, et par le système des recommandations des service d'hébergements de vidéo (Viméo et Youtube) et le phénomène du "buzz", sans que personne ne sache exactement qui était derrière ce travail inidentifiable.

Les premières vidéos datées de 2015 font à peine quelques secondes, présentant des personnages en images de synthèse (un terme certes un peu vieillot mais qui a l'avantage d'être plus précis que "3D") aux corps difformes, nus et luisants mis en scène dans des situations grotesques.

La laideur des corps et la cruauté récurrente des situations va de pair avec une esthétique de banque d'images 3D. Depuis les premières vidéos postées, l'esthétique est proche des mauvaises vidéos commerciales, à la fois par les textures, les éléments de décors et les types d'objets impliqués (mobilier, arbres et personnages). A ceci près que les personnages qu'on peut voir sont tous difformes, luisants et nus.

Les deux auteurs publient régulièrement des vidéos de compilation et leurs dernières productions font désormais plusieurs minutes, avec un fini plus poussé attestant de leur maitrise des logiciels de modélisation et d'animation, et de l'évolution de ceux-ci.

Du point de vue narratif, les vidéos se contentent d'un enchainement d'actions vides de sens, car elles citent une esthétique précise : la vidéo promotionnelle de démo technique. En effet, chaque aspect technique de l'animation en image de synthèse semble faire l'objet d'une exploitation particulière : animation de personnage, morphing et autres déformations, textures 2D et 3D, mouvements de caméra, animation d'objets multiples, éclairages, etc. La bande son elle même est cohérente avec la citation : une musique de studio.
La vidéo de démo est un type d'objet esthétique particulier, présent depuis les début de l'industrie de l'image de synthèse, et a toujours posé problème : que faire pour rendre ces démonstrations techniques intéressantes ? Projetées lors de foires commerciales bien avant l'invention d'internet, elles appartiennent à une sous-cultures d'images liées à l'industrie, comme les manuels techniques et les vidéos d'entreprises. L'attrait des artistes pouce ce type de production est présent depuis longtemps. La semaine de bonté de Max Ernst peut déjà être situé dans cette lignée.

L'aspect grotesque du collage n'est pas sans rappeler par ailleurs l'image emblématique du mouvement pop : Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ? de Richard Hamilton (1956), faisant apparaitre un homme en maillot tenant une sucette à la main, accompagné d'une femme à la pause stéréotypée dans un intérieur au style moderniste.

"We started working together in the summer of 2015, exchanging musical and visual ideas. Cool 3D encompasses both of our styles from the past but also has been the platform for new experiments and ideas. We've had a lot of fun developing our craft.â€
â€” Jon Baken

Brian Tessler et Jon Baken ont donc à la base utilisé le web comme support pour échanger des idées et stimuler l'apprentissage des logiciels 3D. Le statut de ces vidéos est donc incertain du point de vue artistique. Mais la cohérence de l'univers plastique, la viralité de leurs vidéos, l'anonymat de sa production, sont les ingrédients d'une expérience de l'art pleinement contemporaine, quelque part entre le mème et le tag. Une familiarité étonnante, la reconnaissance immédiate de l'adéquation de l'oeuvre avec son cadre de réception, associé à une forme de complicité aux contours flous.

Le travail de Brian Tessler et Jon Baken est accessible à travers différents réseaux sociaux, de youtube à Instagram, mais n'a pas fait à ma connaissance d'exposition ni d'acquisition, pas plus que les deux hommes n'ont revendiqué le statut d'artistes.

Le site du groupe

"Christ mourant", Antoine Schmitt, 2006

Stéphane Noel — 2013-10-26T15:49:47Z

"Christ mourant" est une projection vidÃ©o, sur mur ou drap, selon les contextes. On peut y voir un ensemble de parallÃ©lÃ©pipÃ¨des, bÃ¢tons luminescents disjoints aux arÃªtes marquÃ©es. Pas de dÃ©cor, pas d'accessoires, pas de chair, mais la silhouette produite par l'organisation des Ã©lÃ©ments est sans ambiguÃ¯tÃ© : nous sommes face Ã un christ en croix.

La figure minimale de christ produit rapidement une forme diffuse de malaise : elle est traversÃ©e de lÃ©gers mouvements. Bras, jambes, tÃªte et torse se meuvent, lentement ou par Ã coup, de maniÃ¨re naturelle. Ils donnent Ã la figure abstraite une prÃ©sence physique forte. Par la mÃ©canique de l'empathie, nous pouvons ressentir la douleur de JÃ©sus de Nazareth bien mieux que ne nombre de statuettes en bronze rencontrÃ©es depuis l'enfance.
Schmitt a utilisÃ© une Ã©mulation logicielle de la pesanteur et des contraintes physiques d'un corps humain, pour modÃ©liser la gestuelle d'un corps clouÃ© en station debout â€” ou crucifiement. Du coup, son Christ restitue une douleur synthÃ©tique sans dÃ©but ni fin, une agonie potentielle et infinie.

Plonger dans l'histoire

A contrario de nombre dâ€™Å“uvres numÃ©riques travaillant sur l'extrÃªme contemporain avec l'analyse de flux, de "big data" et l'utilisation de rÃ©seaux sociaux, Schmitt plonge les mains dans une iconographie riche de plus de 500 ans d'histoire, qui a donnÃ© lieu Ã de multiples chefs-dâ€™Å“uvre, et fait l'objet de dÃ©bats esthÃ©tiques et thÃ©ologiques. Sa version appartient Ã la catÃ©gorie du "Christus dolens" (Christ souffrant), typiquement reprÃ©sentÃ© avec la tÃªte penchÃ©e, Ã©crasÃ© par la gravitÃ© terrestre, partageant notre sort Ã travers la douleur ressentie et le sentiment dÃ©chirant de l'abandon : "PÃ¨re, pourquoi m'as-tu abandonnÃ© ?".

Schmitt avoue avoir Ã©tÃ© influencÃ© par le retable d'Issenheim, reprÃ©sentation maniÃ©riste montrant un christ aux mains singuliÃ¨rement tordues par la souffrance.

"Lorsqu'il traite de la condition humaine, mon travail artistique implique souvent une entitÃ© vivante placÃ©e dans une situation dÃ©licate et s'intÃ©resse aux formes d'empathie qui se mettent en place entre les spectateurs et cette forme vivante. Bien que je ne sois pas croyant, j'ai toujours ressenti une grande empathie et une fascination pour cette situation dÃ©licate par excellence : le Christ sur la croix, souffrant et se sacrifiant pour le salut de l'humanitÃ©. Mon travail ne pouvait pas un jour ou l'autre ne pas aborder le sujet. Le Christ Mourant est un hommage, non dÃ©tournÃ©, pour le Christ, que je considÃ¨re comme une crÃ©ation culturelle remarquablement et mystÃ©rieusement symptomatique des tourments de la psychÃ© humaine.

Dans le Christ Mourant, je me suis focalisÃ© sur le moment climactique de la mort du Christ sur la croix et je fais durer ce moment indÃ©finiment. Le personnage que nous voyons ne meurt jamais mais il meurt toujours. Dans cette piÃ¨ce, j'ai recrÃ©Ã©, en utilisant des modÃ¨les 3D et un moteur de physique inspirÃ©s de ceux des jeux vidÃ©o, les conditions physiques de la mort du Christ : un corps pendu par les mains et les pieds clouÃ©s, tentant de tirer sur ses bras pour pouvoir respirer, ne pouvant tenir cette position extÃ©nuante, essayant sans fin. Le personnage que nous voyons souffre vraiment indÃ©finiment, dans son monde Ã lui, et nous le sentons.""

"Pas d'intÃ©raction"

La description de la piÃ¨ce par Schmitt spÃ©cifie : "Pas d'intÃ©raction". C'est une mÃ©taphore ironique de cette figure importante de la chrÃ©tientÃ©. Nous ne pouvons en effet interagir avec un christ en croix, il nous est lÃ©guÃ© par la culture judÃ©o-chrÃ©tienne, dont il incarne le concept de rÃ©demption. Image maÃ®tresse surexploitÃ©e, elle a pourtant subi tout au long de l'histoire de l'art "l'effet Warhol" par sa production mÃ©canique en sÃ©rie. "Plus on regarde exactement la mÃªme chose, plus elle perd tout son sens, et plus on se sent bien, avec la tÃªte vide."

On ne peut mettre au dessus de la porte d'une maison la figure d'un corps agonisant que si elle est devenue un symbole, ou une icÃ´ne. C'est donc une image aussi violente qu'anesthÃ©siÃ©e, suspendue haut dans les Ã©glises de chaque village, embrassÃ©e Ã genoux et les mains jointes par des gÃ©nÃ©rations de paysans et d'aristocrates pour des pÃ©chÃ©s finalement inexpiables. Un instrument puissant.

Infini est le logiciel

La force du travail de Schmitt est de redonner de la prÃ©sence Ã son Christ. Le corps redevient soudain proche, et son agonie palpable. L'abstraction du corps, pour ne laisser que le mouvement, permet de dÃ©gager la piÃ¨ce d'une dÃ©bauche d'effets charnels dont nombre dâ€™Å“uvres d'art on fait leur succÃ¨s : le sang, la sueur, les larmes, mais aussi le beau visage have, les yeux implorants, les plaies, les muscles saillants, tout ce qui fait du corps du christ cette offrande totale, une spectaculaire figure du rachat de nos pÃ©chÃ©s par un Dieu descendu parmi les hommes.

Du coup, la concentration de notre intention va sur ce malaise physique, ce corps soumis Ã la fatigue et la pesanteur, ce qui produit une empathie paradoxalement plus forte, et un dÃ©sir d'agir nouveau face Ã cette figure quasi millÃ©naire. La reprÃ©sentation, mÃªme cinÃ©matographique (on peut penser par exemple au La derniÃ¨re tentation du Christ de Scorsese) de la passion nous entraine immanquablement dans le spectacle tragique auquel nous assistons en spectateur dÃ©solÃ© et distanciÃ©. Schmitt recrÃ©e cette situation, mais la suspension infinie de ce moment d'agonie convoque plus tragiquement cette impuissance, car la prison du Christ est manifestement logicielle, constamment recalculÃ©e, aussi rÃ©elle d'un point de vue probabiliste qu'elle est immatÃ©rielle, reprÃ©sentation Ã©vanescente dans laquelle nous nous projetons.

Du coup, c'est notre impassibilitÃ© mÃªme face Ã la reprÃ©sentation de la douleur qui soudain interrogÃ©e. Celle du Christ, celle offerte par les mÃ©dias, qui est convoquÃ©e Ã sa suite. L'impuissance et sa mÃ©canique de culpabilitÃ© sont soudain rejouÃ©es, et on se surprend Ã penser qu'il n'est peut-Ãªtre pas trop tard pour soulager les douleurs de cet homme, ce qui est une pensÃ©e aux consÃ©quences incalculables.

"Dakota" de Young-Hae Chang Heavy Industries, 200 ?

Stéphane Noel — 2010-08-15T14:28:24Z

Tags : net art, littÃ©rature, animation, musique, flash

Young-Hae Chang Heavy Industries est le nom du collectif constituÃ© d'un amÃ©ricain, Marc Voge et d'un corÃ©en, Young-hae Chang. Le duo est basÃ© Ã SÃ©oul.

Dakota est la premiÃ¨re oeuvre que l'on a pu dÃ©couvrir sur leur site, dÃ©but 2000. Cette animation flash qui apparait plein Ã©cran, commenÃ§ant par un lent fondu au blanc par palier, et se lance sur une musique de percussion trÃ¨s carrÃ©e. Des mots apparaissent alors, martelÃ©s en noir et blanc sur l'Ã©cran, produisant vite un effet d'hypnose renforcÃ© par le rythme saccadÃ© de la musique, sur lesquels se calent les mots et phrases.

Une seule typo, quelques effets visuels, toute l'animation repose sur des Ã©lÃ©ments stricts et maitrisÃ©s et sa rythmique calquÃ©e sur le son. Le texte parle d'une virÃ©e entre potes, occasion de beuverie, de considÃ©rations adolescentes et confidences. L'ironie du texte est en contraste avec la froideur du dispositif visuel. AprÃ¨s un dÃ©but en fanfare, on cavale derriÃ¨re le texte, qui monte en tension en mÃªme temps que la musique devient tribale et amÃ¨ne le spectateur Ã une sorte de transe quasi Ã©pileptique.

Sur le site minimal de Young-Hae Chang Heavy Industries, on trouve une liste impressionnante d'autres animations rÃ©alisÃ©es depuis, dont certaines en plusieurs langues dont le franÃ§ais. On pourra ainsi goÃ »ter plus facilement Ã l'ironie Ã©trange de "Samsung veut dire jouir". La structure de l'animation est la mÃªme : typo rugueuse, plein Ã©cran, dÃ©compte numÃ©rotÃ© en dÃ©but d'animation et du jazz en bande son. Le travail des YCCHI est influencÃ© par le lettrisme et les poÃ¨mes dada, et les calligrammes d'Apollinaire. le mot y est montrÃ© comme un Ã©lÃ©ment plastique important autant qu'en tant que signifiant.

Les animations de YCCHI ont Ã©tÃ© montrÃ©es en de multiples endroit mais c'est bien le net, avec son immÃ©diatetÃ©, qui est son support privilÃ©giÃ©. L'animation flash est tout a fait suffisante pour permettre un affichage. Au dÃ©but 2000, c'Ã©tait la seule maniÃ¨re de pouvoir synchroniser son et image tout en gardant un poids lÃ©ger permettant une vision fluide de l'animation sans tÃ©lÃ©chargement prÃ©alable. Un choix technique judicieux donc, qui permet de voir l'ensemble de l'oeuvre aujourd'hui encore.

Des tirages sur papier de textes ont Ã©tÃ© montrÃ©s Ã l'occasion d'exposition et de commande, notamment au centre Georges Pompidou et Ã la Tate gallery, mais les crÃ©ations de YCCHI sont montrÃ©s la plupart du temps sous forme de projection vidÃ©o. Les visiteurs voient donc ni plus ni moins que ce qui est disponible en ligne, ce qui est une des caractÃ©ristiques les plus intÃ©ressantes du net-art.

Une interview du duo en 2005

"The french democracy" de Alex Chan, 2006

Stéphane Noel — 2008-07-23T00:06:29Z

Le film ultracheap "The french democracy" condense plusieurs aspects intéressants des arts numériques : outils numériques détournés, hybridation entre haute technologie et basse technologie, activisme, diffusion virale et fulgurance artistique.

Techniquement, il s'agit d'un machinima (voir ci-dessous) qui fait un zoom arrière sur les événements des émeutes de 2005 en France. Partant du fait divers initial (2 ados meurent électrifiés en essayant d'échapper à la police), le film met bout à bout une série de situations, montrées comme autant de bombes à retardement : allochtones rejetés sans ménagement - ou au contraire avec hypocrisie - du milieu du travail, durcissement cynique des politiques sociales, opportunisme politique des politiques de répression, etc.
C'est ce point de vue détaché (le film ne prêche pas pour une communauté immigrée) mais engagé (la pauvreté est montrée dans ce qu'elle a de stigmatisant, le pouvoir dans ce qu'il produit de cynique) qui a valu le succès du film, mais son esthétique complètement neutralisée n'y est pas pour rien non plus.
En effet, impossible de penser que Chan a façonné ses personnages à la façon de l'actor studio : les personnages bras ballants qui peuplent son film sont des figures de synthèse au sens plein du terme, ils correspondent à une typologie anonyme qui convient parfaitement à son propos.

L'hybridation high tech/low tech

La petite histoire du net raconte que le premier mail "non-scientifique" fut envoyé par un chercheur qui avait oublié son parapluie lors d'un séminaire dans un centre de recherche. Rentré directement dans son centre de recherche par avion, il a profité de la présence sur place de collègues pour leur demander de rapatrier son parapluie, non sans éprouver une certaine honte d'utiliser Arpanet - le premier réseau, une quinzaine d'ordinateurs connectés, des millions de dollars investis - sous un prétexte aussi trivial. L'anecdote doit se passer au début des années 70 (j'ai perdu les sources, si quelqu'un retrouve trace de cette anecdote, je suis preneur).

La gène de ce scientifique est incompréhensible aujourd'hui car nous utilisons quotidiennement des outils surpuissants pour des usages complètement anecdotiques. Surabondance de moyens par rapport à une fin : c'est la définition même du kitsh.

The french democracy - Alex Chan, 2005 (Flash Video, 40.6 Mio)

Le paradoxe du numérique est que la pauvreté de moyen y cotoie la surabondance de moyen. Le film de machinima "The french democracy" en est un parfait exemple. D'un côté un film plat, aux couleurs criardes, pixellisé, bourré d'erreurs 3D, avec des personnages gigotant anarchiquement avec une seule expression sur le visage, le tout sur une musique poussive avec des sous titres plein de fautes. De l'autre, un outil de gestion d'espace 3D, avec personnages modélisés, déplacements de caméra virtuelle, exportation d'une animation 3D vers une séquence vidéo, montage numérique, dépôt sur une plateforme de diffusion dynamique.
Autant d'outils hors de portée du quidam il y a seulement 10 ans.

Outils préprogrammés et détournement artistique

Ce machinima est basé sur un jeu vidéo. Un des usages résiduels de ce jeu, jeté en patûre à ses détenteurs de licence, consistait à exporter des scènes 3D avec personnages vaguement animés, grâce à un interface codé à la hâte et outils grossiers. Ce gadget foireux, qui semble emprisonner son utilisateur dans quelques utilisations pré-pensées et pré-programmées, a généré des objets étonnants. Par ceux qui ont accepté ses limites et ont exploité ce qu'il pouvait offrir : la possibilité de s'affranchir d'une caméra dv et de 3 potes rigolards, de dizaines d'heures à tourner des plans foireux dans le salon redécoré en bureau. Et de faire, seul, sans dessiner, un film d'animation avec une quinzaine de personnages, des décors en intérieur et extérieur. Enfin, par la narration, passer au dessus du marquage culturel américain des décors et personnages pour situer l'histoire en France.

Diffusion virale

La vidéo, déposée sur le portail du jeu "the movies" a rapidement fait le tour de la planète, portée par l'ampleur des émeutes qui venaient juste de s'éteindre, et a été copiée en milliers d'exemplaires, faisant de Alex Chan une vedette. Mal à l'aise, il a répété sans cesse n'avoir rien inventé, avoir juste pris ce qui se trouvait sous la main. Et c'est ce qui donne pourtant la valeur de son travail.

Fulgurance artistique à l'ère numérique

On souhaite une longue carrière artistique à Chan, mais il est probable qu'il ne rééditera pas l'exploit de ce premier film. La fulgurance, cette capacité a produire un acte incisif, juste, et immédiatement perçu comme tel par ceux qui en vivent l'expérience, est un des modes de production artistique qui m'intéresse le plus, mais elle est cruelle pour ses auteurs.

L'art numérique, encore balbutiant, produit nombre de ces oeuvres orphelines, qui vivent par delà leurs auteurs, et disparaissent faute de relais institutionnels et de lieux de mémoire. C'est au final le rêve de la modernité, que l'artiste disparaissent derrière son oeuvre, et qu'ensemble ils se dissolvent dans leur utilité sociale.

Appendice : Interview de Alex Chan
Texte sur le site original

Votre critique des médias est assez aiguisée. Que leur reprochez-vous ?
Je vis à La Courneuve, en banlieue parisienne, depuis quatre ans. Je vois la réalité en pleine face et je ne la retrouve pas dans les médias. Pendant les émeutes de 2005, je voyais passer des semi-remorques remplis d'épaves de voitures brûlées. Alors j'ai cogité dans tous les sens jusqu'à ce que je trouve un outil pour m'exprimer et donner une voix différente, une voix qui fasse contrepoids.

Une voix pour dire quoi ?
Il y a plein de choses que je ne comprends pas dans notre monde : pourquoi Le Pen fait un plus gros score en 2002 que toute la gauche réunie ? Pourquoi TF1 arrive toujours en tête des audiences, et resterait en tête même si Arte diffusait du porno ? Pourquoi, lors des émeutes de la gare du Nord il y a quelques semaines, c'est la version du ministère de l'Intérieur qui prime sur la version des gens ? Moi, j'ai envie de comprendre et de relayer ce que ces gens disent.

Comment procédez-vous ?
Je recueille la parole des gens sur l'actualité, comme dans un documentaire. Ensuite, je m'appuie sur ce qu'ils disent pour inventer des figures animées qui vont reprendre leurs propos. Quand un passant me dit qu'il "veut donner sa vie pour la patrie", je le représente sous la forme d'un squelette. Quand un autre aborde la productivité, c'est un robot qui s'en fait le porte-voix. J'essaie d'être cohérent avec le contenu.

Pour moi, c'est de l'animation cheap, construite à partir d'un jeu. J'ai balancé les vidéos sur Internet, comme tout le monde. Ensuite, on m'a appris que ce que je faisais, cela s'appelle du "machinima", un procédé qui date des années 1990 et permet de réaliser des courts métrages en utilisant des moteurs de jeux vidéos. Certains cuisinent des légumes du marché et des produits du terroir quand moi, j'utilise du surgelé. Mais attention, ce n'est pas pour autant que je rends que les gens obèses.

Donc vos vidéos ne sont pas que pour les geeks, fans de technologies et de gadgets ?
En regardant mes vidéos, les spectateurs ne voient pas des jeux vidéo, ils voient un mini film. Lorsqu'il y a eu des projections publiques, j'ai été surpris que le public ne fasse pas attention aux moyens de production.
_ C'est la force du médium qui arrive à transmettre des émotions. Ce ne sont pas les outils qui font le succès de ces vidéos, mais c'est ce qu'on a à dire.

DR Â¦ Les créatures d'Alex Chan - Propos recueillis par Alice Antheaume