Arts numériques

Tennis, Cool3dworld, 2019

Stéphane Noel — 2020-02-04T00:16:12Z

Tennis est une vidéo parmi une centaine d'autres produites par le duo d'artistes Brian Tessler and Jon Baken et diffusée sur différents réseaux sociaux sous le nom Cool 3D World depuis 2015.

La chaine youtube Cool 3D World a été créée en 2015. Elle s'est fait connaitre par les réseaux sociaux, Facebook notamment, et par le système des recommandations des service d'hébergements de vidéo (Viméo et Youtube) et le phénomène du "buzz", sans que personne ne sache exactement qui était derrière ce travail inidentifiable.

Les premières vidéos datées de 2015 font à peine quelques secondes, présentant des personnages en images de synthèse (un terme certes un peu vieillot mais qui a l'avantage d'être plus précis que "3D") aux corps difformes, nus et luisants mis en scène dans des situations grotesques.

La laideur des corps et la cruauté récurrente des situations va de pair avec une esthétique de banque d'images 3D. Depuis les premières vidéos postées, l'esthétique est proche des mauvaises vidéos commerciales, à la fois par les textures, les éléments de décors et les types d'objets impliqués (mobilier, arbres et personnages). A ceci près que les personnages qu'on peut voir sont tous difformes, luisants et nus.

Les deux auteurs publient régulièrement des vidéos de compilation et leurs dernières productions font désormais plusieurs minutes, avec un fini plus poussé attestant de leur maitrise des logiciels de modélisation et d'animation, et de l'évolution de ceux-ci.

Du point de vue narratif, les vidéos se contentent d'un enchainement d'actions vides de sens, car elles citent une esthétique précise : la vidéo promotionnelle de démo technique. En effet, chaque aspect technique de l'animation en image de synthèse semble faire l'objet d'une exploitation particulière : animation de personnage, morphing et autres déformations, textures 2D et 3D, mouvements de caméra, animation d'objets multiples, éclairages, etc. La bande son elle même est cohérente avec la citation : une musique de studio.
La vidéo de démo est un type d'objet esthétique particulier, présent depuis les début de l'industrie de l'image de synthèse, et a toujours posé problème : que faire pour rendre ces démonstrations techniques intéressantes ? Projetées lors de foires commerciales bien avant l'invention d'internet, elles appartiennent à une sous-cultures d'images liées à l'industrie, comme les manuels techniques et les vidéos d'entreprises. L'attrait des artistes pouce ce type de production est présent depuis longtemps. La semaine de bonté de Max Ernst peut déjà être situé dans cette lignée.

L'aspect grotesque du collage n'est pas sans rappeler par ailleurs l'image emblématique du mouvement pop : Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ? de Richard Hamilton (1956), faisant apparaitre un homme en maillot tenant une sucette à la main, accompagné d'une femme à la pause stéréotypée dans un intérieur au style moderniste.

"We started working together in the summer of 2015, exchanging musical and visual ideas. Cool 3D encompasses both of our styles from the past but also has been the platform for new experiments and ideas. We've had a lot of fun developing our craft.â€
â€” Jon Baken

Brian Tessler et Jon Baken ont donc à la base utilisé le web comme support pour échanger des idées et stimuler l'apprentissage des logiciels 3D. Le statut de ces vidéos est donc incertain du point de vue artistique. Mais la cohérence de l'univers plastique, la viralité de leurs vidéos, l'anonymat de sa production, sont les ingrédients d'une expérience de l'art pleinement contemporaine, quelque part entre le mème et le tag. Une familiarité étonnante, la reconnaissance immédiate de l'adéquation de l'oeuvre avec son cadre de réception, associé à une forme de complicité aux contours flous.

Le travail de Brian Tessler et Jon Baken est accessible à travers différents réseaux sociaux, de youtube à Instagram, mais n'a pas fait à ma connaissance d'exposition ni d'acquisition, pas plus que les deux hommes n'ont revendiqué le statut d'artistes.

Le site du groupe

Full effect, Jeremy Bailey, 2011

Stéphane Noel — 2013-09-27T16:51:56Z

Full effect est une vidéo postée sur Youtube dans le channel de Jeremy Bailey, qui se définit lui-même comme "the famous new media artist". Cette oeuvre discrète (1324 vues au moment de l'écriture de cet article) produit un ensemble de sensations indistinctes en reliant performance, vidéo et programmation.

Dans la plupart des vidéos de Bailey, il ne se passe pas grand chose. Une grappe de formes 3D basiques bougent de manière coordonnée, ou le visage de Bailey, un jeune homme mince et maniéré, apparait en gros plan, déformé par le grand angle, parlant face caméra. Et dans toutes les vidéos de Bailey, Bailey parle longtemps, évocant une rencontre, une invitation, un nouveau gadget technologique découvert.

Solitude démocratique

L'artiste moderne a été aux avant postes de la création de stratégies de visibilité. Comment produire un travail attendu mais aussi en rupture avec les normes artistiques en vigueur, comment assurer sa visibilité le plus rapidement possible, comme on dépose un brevet d'invention pour capitaliser la reconnaissance de ses pairs, des galeristes et du marché ? Le narcissisme est un des péchés généralement associé aux artistes, mais tous les acteurs du milieu de l'art savent qu'il est une question de survie. Dans le milieu de l'art, la modestie est un accessoire inutile au prix exorbitant.
Cette question de survie socio-économique est devenue aujourd'hui le lot commun dans un monde globalisé et ultra-libéralisé régenté par les réseaux sociaux. Bailey marque cette radicalisation dans sa pratique, en utilisant un des lieux les plus immédiats de la mise en concurrence des flux vidéos : Youtube. Le nombre de "look at this" proféré dans ses vidéos est symptomatique d'un entertainement fébrile et angoissé. La peur de mourir seul et oublié est une des peurs les plus tabou de notre société hyperconnectée. Longtemps l'apanage des puissants, cette peur est désormais démocratisée, et dans les démocratie de masse, elle produit bon nombre de comportements nouveaux, via les outils numériques en particulier.

High tech low tech

L'installation interactive est un des domaines de l'art numérique les plus demandeurs en ressources. Ces installations sont fragiles, demandent du matériel fiable et le plus souvent couteux. Leur mise au point demande des heures d'efforts et des assistants qualifiés. Les effets sont rapidement banalisés et la surenchère est quasiment un mot d'ordre. Le secteur de l'événementiel utilise abondamment les installations interactives comme outils de promotion commerciale et déploie des moyens bien au delà de ceux de la plupart des artistes numériques.
Bailey ne peut rivaliser avec ces moyens. Bien que connecté à des développeurs de logiciels, il s'appuie sur sa propre expertise et ses capacités de codeur pour créer ses dispositifs. Leur relative indigence met en porte à faux l'affirmation de Bailey comme "famous new media artist". On ne peut pas non plus parler dans son cas d'une utilisation géniale (au sens de transcendance du génie) du medium. Bailey utilise des outils balisés, comme la reconnaissance de squelette, l'espace et les formes d'une 3D de base. Sa plus value pourrait alors être dans la dimension performative de ses vidéos. Mais là encore, elle s'énonce plus comme des démos rapidement jetées, terminant le plus souvent par une gesticulation effrénée épuisant ses dispositifs. Au bout du compte, on se demande donc bien ce qui peut bien faire des vidéos de Bailey de l'art.

L'art se juge sur pièces, et en l'occurrence "Full effect" est à mon sens de l'art. Cette vidéo est une confession face caméra, un genre établi aussi bien en vidéo art que dans le cinéma et sur youtube. Elle montre Bailey filmé en gros plan sur fond noir, évoquant la difficulté de montrer ses émotions, voix de plus en plus chevrotante dont on ne sait si elle est mauvais jeu d'acteur ou trouble réel. Après avoir confessé vouloir donner un meilleur accès à l'intimité de ses émotions, Bailey fait passer l'image vidéo à travers une série de filtres vidéos altérant l'image en temps réel, chaque changement cadencé par un "Do you understand now ?" au ton plutôt accusateur. La vidéo se termine par le clic de la souris sur le bouton stop.
L'ironie étrange de ce quelques minutes de vidéos est que non, on ne peut avoir accès à l'intimité émotionnelle grâce à des filtres vidéos. Mais cette démonstration se teinte immédiatement d'un vertige angoissant grâce à l'indécidabilité de l'objet. C'est que l'ironie de Bailey n'est jamais attestée, et que le dispositif est désarmant de simplicité.

On peut rapprocher le travail de Bailey de celui Nelson Sullivan, ce vidéaste new yorkais qui fixera sur cassette une tranche importante de la vie de la communauté homosexuelle des années 80' en tenant la caméra vidéo retournée vers lui. Nombre de ses vidéos traitent d'interactions sociales difficiles, comme celle-ci, parlant de la fureur froide de Sullivan de ne pas trouver ses amis.

Comme Warhol apparaissant en bon artiste pop dans un épisode de "Love boat" (La croisière s'amuse) en 1985, Bailey utilise le medium le plus ingrat, la vidéo youtube, pour exister. La concurrence maximale qu'il paie au prix fort, le faible nombre de visions de "full effect" en atteste.

Désarmer le jugement

Une de mes convictions est qu'il existe plusieurs fonctions de l'art, et qu'une de ces fonctions est de désarmer, c'est-à -dire pendant un court moment de suspendre le jugement (on dit baisser les armes ou faire tomber les barrières), en espérant qu'une réorganisation du sens puisse se faire dans cet intervalle. Pour être désarmant, une oeuvre doit être puissante émotionnellement (c'est la méthode la plus douteuse) ou nous mettre face à un expérience indécidable, qui active les sens de manière plus forte, et donne tout la place au fameux "le libre jeu de l'imagination et de l'entendement" dont parle Kant dans son esthétique. La confession de Bailey fait partie de cette deuxième stratégie. Å'uvre de petite portée, elle produit cependant des connections multiples entre elle et notre propre expérience du monde, connections en partie au moins mise en place par Bailey lui-même. C'est le signe indéniable que nous avons là une oeuvre et donc un artiste.

They rule, Josh On, 2001

Stéphane Noel — 2013-09-27T10:45:37Z

La page "About' du site They rule le dit avec efficacité : "They Rule aims to provide a glimpse of some of the relationships of the US ruling class". Pionniers du datamining avec un objectif politique, They Rule est une animation flash permettant de mettre en relation les membres de la classe dirigeante US.

They rule permet d'avoir accès à une information cachée même si elle n'est pas secrète : qui siège aux conseils d'administration des grandes compagnies internationales, comme IBM ou Coca cola. Et surtout, quels autres postes occupent ces mêmes personnes dans d'autres lieux de pouvoir ?

Découvrez les 1%

Le but est évidemment de rendre visible un des effets pervers les plus cruels du moment : le capitalisme procède par concentration du pouvoir, ce qui se marque ici par le fait que les membres des conseils d'administration occupent bien souvent plusieurs postes, et côtoient, au moins par ce biais, d'autres personnes de pouvoir. presque 10 ans avant les manifestations contre les "1%" par les "99%", Josh On révèlait un secret de polichinelle sociologique : les personnes qui possèdent sont au meilleur endroit possible pour défendre leur propre intérêt, et par dessous le discours libéral officiel sur la saine concurrence servant l'intérêt général, ils contrôlent des secteurs entiers de l'économie, à leur profit et en bonne entente.

Data mining pas à pas

On ne peut évidemment pas rendre sexy des listes de noms d'entreprises et des noms de dirigeants, mais Josh On réussit à rendre élégant et pratique l'outil qu'il crée. car il s'agit d'un outil, pas d'une animation ou d'un graphique.
Avec They Rule, on prend l'information par un bout, un nom de compagnie ou un nom de membre de conseil d'administration par exemple, pour entrer dans un écheveau en forme de toile d'araignée. L'expérience est percutante, les icônes bien choisies : un bureau ovale, des personnages en costume, des liens, les menus contextuels.

Le site fournit des outils annexes, permettant de sauver et charger des plans effectués à l'aide de l'outil.
On appréciera particulièrement l'outil "Find connection" permettant de voir combien de personnes intermédiaires se trouvent entre deux directions de compagnies. Un exemple ici montre qu'une personne siège à la fois au conseil d'administration d'Amazon et de Goggle.

La question importante à laquelle a du se confronter Josh On est la fiabilité des données. Comme il le dit avec ironie dans la page "about" de son projet,

"Corporate directors have a habit of dying, quitting boards, joining new ones and most frustratingly passing on their names to their children who not entirely coincidently are also found to be members of US corporate boards."

(Les administrateurs de sociétés ont l'habitude de mourir, quitter les conseils d'administrations, d'en joindre de nouveaux et, le plus frustrant, donner â€‹â€‹leurs noms à leurs enfants qui - pas tout à fait une coïncidence - s'avèrent également être des membres des conseils d'administration des entreprises américaines).

Du coup, comment maintenir une base de données à jour sans qu'un site créé en 2001 ne devienne un travail à plein temps ?
Après avoir placé une première base de données en 2001 et l'avoir updatée en 2004, Josh On a en 2011 couplé son site à la base de données de LittleSis, un site créé par des activistes porté sur la surveillance des puissants, et qui possède une base de données mise à jour et permettant via des api de l'interroger.

Esthétique et distance de l'art

Si They rule est un outil, on pourrait se demander en quoi ça peut être de l'art. Il y a plusieurs façons d'argumenter. La première serait de dire qu'il n'y a en soi pas contradiction puisque l'on considère que la photo de reportage ou le documentaire possèdent leurs oeuvres d'art - Cartier Bresson est reconnu comme un artiste même si lui même s'en est défendu, et Robert Frank a savamment brouillé la limite par exemple, Wiseman a fait entrer le cinéma direct dans l'histoire de l'art, etc..

Plus classiquement, on pourra dire que l'approche esthétique du site mis en place par Josh On permet de le distancier d'autre objets culturel plus axés sur l'utilisation politique : le site LittleSis, par exemple, se présente de manière plus classique comme une initiative citoyenne activiste, avec un appui marqué sur les cumulards.
Josh On nous met en face d'un outil pensé esthétiquement, à la fois moins riche qu'une base de données brute, avec un choix d'outils préfabriqués qui marque une intention mais reste à distance de son discours. On peut concevoir une toile gigantesque ou placer dans l'espace quelques éléments. Cette dimension de jeu, au sens lacanien du terme (un espace libre permettant au reste de bouger, espace de liberté minimale permettant de rejouer quelque chose).
Trancher dans une matière brute comme les bases de données pour en permettre une interprétation esquissée mais donnant libre cours à un jeu est une approche courante dans le dataminig. Mais plutôt qu'établir un graphe sympa sur la récurrence du mot "Britney Spears" dans les tweets, Josh On nous donne accès à la structure sous la superstructure. En ça il rejoint l'idée moderne de l'art comme autonomisation de l'individu, s'adressant à son intelligence par le biais de ses sens.

Agatha appears, Olia Lialina, 1997-2008

Stéphane Noel — 2012-01-08T14:14:17Z

Tags : net art, narration

Moins connu que son "My boyfriend came back from the war", le "Agatha appears" de Lialina pose des problèmes intéressants : capacité de compréhension technique des visiteurs, problèmes de maintenance du net art, vieillissement de l'esthétique du net art.

"Agatha appears" est une oeuvre en réseau, du net art. Quasiment un sommet dans ce domaine, car elle utilise le concept de "réseau" de manière littérale, comme on le verra.
Matériellement, il s'agit une suite linéaire de pages web que le visiteur suit en cliquant pour passer d'une page à l'autre. C'est la base du web, donc. De petites animations en javascript ou en gif animé racontent l'histoire de Agatha, perdue dans une grande ville la nuit. Elle rencontre un homme intriguant lui proposant de lui apprendre la puissance du net.

L'oeuvre est très "nineties" dans son esthétique. Fond noir dur, image en gif crénelée et rustique. Lialina utilise les technologies disponibles de l'époque : les balises "title" font apparaitre les dialogues en survol des personnages, du code javascript provoque des reloads de la page. La finesse de son travail se lit dans les détails : ainsi, le nom des pages, dans la barre de navigation, comporte des indications de temps et de lieu.

Contrairement à d'autres oeuvres de la même époque (Jodi, superbad par exemple) qui destructurent l'expérience du visiteur en détruisant la compréhension et la logique de l'interface, on a droit ici à un récit écrit, dessiné, structuré pour être suivi linéairement avec attention. Olia Lialina a de l'humour et introduit même de l'érotisme dans ses pages froides. La rencontre entre l'homme qui introduit Agatha à l'internet se passe dans un lieu sans décor excepté un lit dessiné en pixel art. Olia Lialina est la conceptrice du site, la pauvreté du medium internet montre ses limites de codeuse web, mais est surtout une revendication contre l'utilisation commerciale, riche et clinquante qui est en train dans ces mêmes années de monter en puissance sur le net.

Au cours du récit, après un essai raté, Agatha apprend soudain à utiliser le réseau. Un voyage commence alors à travers le cyberspace (comme on l'appelle alors) : Agatha se déplace de serveur web en serveur web. Non pas seulement métaphoriquement, par le biais de la narration, mais littéralement : le récit se poursuit sur des serveurs distants physiquement de milliers de kilomètres, en Russie, France, Angleterre, Etats unis, etc. Agatha y apprend la griserie de la liberté, joue avec le spectateur qui, distrait, met un temps à se rendre compte de la subtilité, car il est face à la même image d'Agatha sur fond noir.

Le recours au récit n'est pas une première dans le travail de Lialina. "My boyfriend came back from the war" utilise déjà la narration comme moyen de production. Le web et ses liens hypertextes donnent au visiteur son propre rythme de lecture. Avec "Agatha appears", Liolina joue sur l'ensemble des paramètres en jeu : url, attribut "title", animation en script sont au service d'un récit linéaire. L'oeuvre possède une poésie particulière, bien balancée entre sobriété, économie et pauvreté.

Maintenance impossible

Agatha appears est une oeuvre fragile. Créée pour des navigateurs de 1997, elle peine à rester compatible. Les javascripts sont basiques, mais les normes ont changé et les bugs sont inévitables. Peut-on updater du code, quand il est le centre d'un travail ? C'est une des questions posées par le net art, ici cruellement mis en avant. Il faut parfois lire le code source pour contourner un bug apparu lors de la consultation de l'oeuvre.
D'autre part, la beauté toute conceptuelle du voyage de serveur en serveur a posé un problème de maintenance évident. Dans la pièce initiale, Olia Lialina avait ouvert des espaces web offerts gratuitement (comme c'était la mode fin 1990) dans différents pays. Mais ces offres généreuses se sont arrêtées au fil du temps. Durant les années 2000, la pièce fut incomplète car l'absence d'un maillon dans la chaine linéaire des pages web est fatal pour cette oeuvre. La pièce a été updatée en 2008, mais la menace reste, du fait de la nature "multi-hébergée" de la pièce. Impossible de concentrer le site sur un seul hébergement sans le dénaturer.

Utopie du net art

Le multi-hébergement n'est pas qu'une astuce. Il révèle un des aspects importants du medium internet, et permet à la net-artiste d'échapper à la logique de la galerie. Olia Lialina, jeune russe dans un pays en pleine réforme vers un capitalisme à marche forcée, fait partie de cette génération d'artistes (avec Vuk Kosik notamment) qui ont vu dans le net un moyen de rompre avec le milieu et au marché de l'art, de se libérer de sa matérialité et de sa géographie pour créer un lien direct avec un public nouveau, qui est en train de se construire et de se former à ce nouveau medium, international, démocratique, permettant une relation directe d'artiste à citoyen, sans passer par la médiation du galeriste.

Ceci fait de "Agatha appears" est une oeuvre radicale, généreuse, aussi pleine d'espoir et d'utopie qu'une photographie d'Alexandre Rodtchenko.

Voir en ligne : Un site pour l'oeuvre restaurÃ©e en 2008

In flat B, Darren Salomon (+ guests), 2009

Stéphane Noel — 2010-10-05T23:17:09Z

Tags : musique, collaboratif, video, réseau social, net art

In B flat ("en si bémol") est une oeuvre collaborative. D'un point de vue purement matériel, c'est une page web contenant 20 vidéos youtube. Chacune de ces vidéos présente une séquence de 1 à 3 minutes environ, jouée comme le nom l'indique, en gamme si bémol, sur une large gamme d'instrument allant du "spoken word" à la console nintendo DS en passant par la trompette et le vibraphone.
Le visiteur a le choix de lancer entre une et 20 vidéos simultanément pour apprécier l'effet combinés des sons. La gamme choisie et les recommandations données par Darren Salomon (ne pas jouer trop fort, éviter les rythmes et mélodies trop marqués, privilégier les nappes sonores) font de "in B flat" une oeuvre plutôt mélancolique.

Cette oeuvre interactive ne vient pas de nulle part. Stylistiquement, on a affaire à de l'ambient, genre qui a une quarantaine d'années. L'aspect collaboratif renvoie au "jam session" en général, sauf qu'ici elle n'est pas simultanée mais médiée. L'écriture sonore en fait une oeuvre d'OuMuPo (Ouvroir de Musique Potentielle, dérivé de l'OuLiPo, expérience littéraire initiée par Queneau) et le média employé la met en rapport avec quelques millions de vidéos sonores existantes sur le net, démos d'instruments et hommages divers qui ont déjà fait le fruit de créations diverses.
Darren Salomon indique d'ailleurs dans le court texte de faq avoir été inspiré par une vidéo de Kutiman, qui a monté des dizaines de vidéo pour en faire un seul morceau (il s'en explique dans cette vidéo).

Darren Salomon, musicien lui-même, a sollicité des interventions à partir de mails ciblés et de son blog, et réalisé les quelques premiers instrumentations de sa pièce collective. Il a ensuite laissé arriver les propositions, la plupart produites par des artistes de bon niveau. Il a enfin sélectionné 20 d'entre elles et a produit la page. Les recommandations étaient :
– Sing or play an instrument, in Bb major. Simple, floating textures work best, with no tempo or groove. Leave lots of silence between phrases.
– Record in a quiet environment, with as little background noise as possible.
– Wait about 5-10 seconds to start playing.
– Total length should be between 1-2 minutes.
– Thick chords or low instruments don't work very well.
– Record at a low volume to match the other videos.
– You can listen to this mix on headphones while you record.
– After you upload to YouTube, play your video along with the other videos on this page to make sure the volume matches.

La place du spectateur

C'est donc la qualité des interventions qui fait la qualité finale de cette oeuvre assez rudimentaire techniquement. Car elle emploie comme média youtube, le plus banal des services 2.0 pour la vidéo, et la possibilité offerte à tous par ce service de placer ses vidéos dans une page quelconque.
L'internaute, arrivant en fin de parcours dans la production de cette pièce, n'en est pas moins important. Sans lui, pas d'oeuvre, juste une collection de vidéos. Son rôle est quelque part entre le DJ et le chef d'orchestre : il décide de quelles vidéos lancer, dans quel ordre, à quel moment, déterminant ainsi le rendu final du morceau joué. L'expérience est nettement supérieure à bon nombre d'installations intéractives, avec le sentiment d'une réelle personnalisation. Les "nappes" sonores de chaque participant jouent en effet sur des détails improvisés, qui font la saveur et rendent unique toutes les combinaisons.

Net art, toujours fragile

"In B flat" est une oeuvre fragile, une fragilité étrange puisqu'elle repose sur la perrenité de Youtube, et sur la capacité et l'envie pour Darren Salomon de continuer à payer le nom de domaine qui héberge la page. Un jour donc, dans quelques mois ou quelques années, l'un et/ou l'autre s'arretera, et il ne restera de "in B flat" que des versions statiques, enregistrées par quelques amateurs.

Un extrait

La magie des médias 2.0 permet d'en mettre un extrait ici, dont le statut est incertain :

Voir en ligne : http://www.inbflat.net/

"Vanity ring" de Markus Kison, 2007

Stéphane Noel — 2010-08-15T12:31:41Z

Vanity ring est un anneau est surmonté d'un minuscule panneau oled, une technologie de pointe, un écran d'affichage économe en énergie. Markus Kison a choisi d'y afficher ce qui constitue pour lui un des sommets contemporains de la vanité : le résultat en nombre de pages d'un "ego search".

Vanité des vanités, tout n'est que vanité et poursuite de vent
(le Qohélet, dit l'écclesiaste)

Vanity ring est un bijou designé par l'allemand Markus Kison, fait pour être porté. Le terme de "vanité" n'est pas anodin : la vanité est un genre en peinture, lié au baroque et au protestantisme, une critique des plaisirs terrestre pour ramener l'homme vers une spiritualité plus ascétique. Le paradoxe de ce genre est qu'elle va produire des oeuvres rivalisant de virtuosité, célebrant les plaisirs charnels et de l'oeil jusqu'au paroxysme sous prétexte de le dénoncer : trompe l'oeil, couleurs chatoyantes, parfaite restitution de la profondeur et des effets de surface. Les fruits, les vins, les mets fins y sont représentés avec une suavité troublante, attisant le désir plutôt que la réflexion.
La bulle de savon, sujet récurrent, est un parfait exemple : métaphore de la fragilité de la vie, de tension entre intériorité et extériorité, elle est aussi un défi pictural : sa matérialité quasi inexistante, sa surface parfaite ne peut être restituée que par son reflet. Le plaisir de la possession, et en particulier les bijoux et ornements, sont naturellement un sujet récurrent du genre, l'anneau de Markus Kison est donc dans une parfaite filiation avec celui-ci.

Vanity ring est donc un prolongement de la vanité à l'ère numérique. L'anneau est surmonté d'un panneau oled, une technologie de pointe, un écran d'affichage économe en énergie, donc le mieux adapté actuellement à la miniaturisation.

Markus Kison choisit d'afficher ce qui constitue pour lui un des sommets contemporains de la vanité : le résultat en nombre de pages d'un "ego search", recherche sur son propre nom sur google. Le chiffre, exprimé souvent en milliers ou millions de pages, est chargé sur la bague et affiché à la demande.

La fabrication d'un tel objet a necessité de régler nombre de problème technique. C'est donc pleinement un objet de design,pensé dans tous ses aspects, y inclus la procédure d'upload du chiffre via un petit dispositif et un logiciel au graphisme sobre et soigné. C'est un prototype cependant, Kison cherche un support pour une production en série.

"Learning to love you more", Miranda July et Harrell Fletcher, 2002

Stéphane Noel — 2010-08-14T20:30:18Z

"Learning to love you more" est un site web sur base d'un projet de Miranda July et Harrell Fletcher, construit et mis en place par Yuri Ono.

Le site rassemble une collection d'"assignments" (contrainte, mission, devoir, traduction au choix) dont le visiteur peut se saisir. La premiÃ¨re contrainte a Ã©tÃ© "Make a child's outfit in an adult size." (Fabriquez un survÃªtement d'enfant Ã taille adulte).

Le site a Ã©tÃ© mis en place Ã l'occasion de la Whitney Biennal de 2004, avec le soutien de la Creative Capital Fondation. Le site est le point central de la production, un repository, qui permet de lancer les assignments et cataloguer les rÃ©ponses donnÃ©es par les internautes/auteurs.

Le site est donc d'entrÃ©e de jeu une oeuvre d'art et un outil servant a collecter des oeuvres pour des expositions : plusieurs expositions ont eu lieu sur base des travaux produits et collectÃ©s. Son nom mÃªme donne son programme : nous sommes en prÃ©sence en complet accord avec la thÃ©orie de Nicolas Bourriaud sur l'art relationnel. La rencontre fortuite entre les assignments et des personnes dont peu sont des artistes va produire, grÃ¢ce Ã la simplicitÃ© des Ã©noncÃ©s, des objets ambivalents, chargÃ© d'histoire personnelle. Les considÃ©rations esthÃ©tiques sont dÃ©licatement mise de cÃ´tÃ©, July et Fletcher lui prÃ©fÃ¨re une forme d'authenticitÃ© toute moderne.

A cÃ´tÃ© d'assignments rÃ©flexifs (Ã©crivez votre autobiographie en plus d'une heure et moins d'une journÃ©e, ou encore donnez un conseil Ã vous-mÃªme dans le passÃ©), beaucoup d'assignments sont Ã©crits pour susciter une intÃ©raction sociale. "Prenez une photographies de vos parents s'embrassant", "Interviewez quelqu'un qui a eu une expÃ©rience de la guerre", "Dessinez une constellation Ã partir des grains de beautÃ© de quelqu'un", "Passez du temps avec quelqu'un en train de mourir" posent le cadre d'une rencontre inhabituelle, potentiellement riche en Ã©motion. Les rÃ©sultats de ces Ã©noncÃ©s n'ont pas tous la mÃªme force, mais beaucoup gardent la trace d'une prise de risque, d'un voyage Ã l'extÃ©rieur de soi, qui semble pour July et Fletcher la dÃ©finition mÃªme de l'acte artistique. Ainsi la rÃ©ponse de Aaron Hughes Ã l'assignment "Make a protest sign and protest.", qui devient un geste investi et autonome.

Le site web est le support incontournable de cette expÃ©rience. Le postulat moderniste "Tout le monde est artiste" y rejoint la mythologie fondatrice d'internet : "Tout le monde peut prendre la parole". La disponibilitÃ© du site, la circulation virale de l'information, l'anonymat potentiel et la dÃ©centralisation de la participation ont permis au projet de rÃ©colter plus de 500 rÃ©ponses. Chacune d'entre elle a Ã©tÃ© proposÃ©e aux artistes par voie de mail et non pas sous forme d'un formulaire automatique, rÃ©affirmant la relation interpersonnelle comme centrale dans l'expÃ©rience.

Le site n'accepte plus les rÃ©ponses depuis mai 2009, mais est toujours en ligne. Une publication a Ã©tÃ© rÃ©alisÃ©e Ã propos du projet. Miranda July a entretemps rÃ©alisÃ© un film "Me, you and everyone we know", dans lequel la dynamique de son travail d'artiste est clairement perceptible dans l'Ã©criture et la rÃ©alisation. Elle Ã©crit des nouvelles. Fletcher de son cÃ´tÃ©, dessine et rÃ©alise vidÃ©os et performances.