Arts numériques

Hommages et citations, partie 2

Stéphane Noel — 2010-03-16T13:58:41Z

Iron Maiden's "The Number of the Beast" compressed over and over as an mp3 666 times (2004) de Cory Arcangel

Une oeuvre minute (heu, plutôt une après midi de travail) pour une conversion simple et efficace : recompresser un morceau 666 fois.
Le résultat n'est au fond pas très spectaculaire, les glitches de compressions sont étonamment peu nombreux. Au delà de ça, cette pièce pose la question de la réappropriation :le mp3 est téléchargeable sur le site de Cory Arcangel, est-il désormais complètement son oeuvre ?

Voir la page sur son site.

Time machine in alphabetical order, Thomson & Craighead, 2010

Ce duo anglais a repris une version cinéma du roman "Time machine" de Wells et l'on remonté en portant l'accent uniquement sur les mots prononcéspar les acteurs, découpés puis placés par ordre alphabétique. Une machine à voyager dans le temps du film, ce qui donne un florilège de prononciations et d'expressions autour des même mots. Sur le site, un extrait est disponible, autour du mot "time", un des plus prononcés du film.

La page de projet sur le site de Thomson et Craighead

The sound of silence de Alfredo Jaar, 2006

Sur base d'une photographie de /Kevin Carter, primée au Pulitzer, Jaar produit une installation autonome dans laquelle le numérique tient une place petite mais déterminante, celle d'un procédé distant, laissant les spectateurs seuls dans l'expérience un récit projeté à l'écran.
Un film de 8 minutes raconte les conditions de création et de réception de cette photographie primée sous forme d'un texte sec, qui se termine par le suicide de son auteur. La pièce complète a la forme d'un pièce en métal, dont une des faces est recouverte de néons, l'autre comporte une signalétique en leds gérant l'entrée et la sortie.

Le site d'Alfredo Jaar

Sherrie Levine After Walker Evans / After Sherrie Levine

En 1981 Sherrie Levine, artiste américaine, expose avec "Sherrie Levine After Walker Evans" des photographies reproduites depuis un catalogue d'exposition de Walker Evans. Ces images datant des années 30' sont entretemps tombées dans le domaine public. Elle proclame ce travail de photographie comme étant le sien, lançant un débat sur la propriété intellectuelle, la création dans l'acte artistique, l'authenticité de l'oeuvre d'art, etc.

Michael Mandiberg réédite l'exploit 20 ans plus tard en créant deux sites, "afterwalkerevans.com" et "aftersherrielevine.com", tous deux similaires à quelques phrases près. Le net étant un lieu de circulation et de duplication de données, Mandiberg propose de plus au visiteur de télécharger des version haute définition des images et un certificat d'authenticité téléchargeable à dupliquer soi-même. Chacun peut donc devenir un artiste appropriationniste.

Screenshots de John Haddock, 2000

"Screenshots" est une série de 20 images dessinées en isométrique, un mode de représentation existant depuis le renaissance mais popularisé par les jeu vidéo 3D ou en fausse 3D depuis les années 80'.
Ces images ont été réalisées avec un logiciel graphique standard, une forme de pixel art assez manuelle, mais respectant les conventions du jeu basse définition : staticité des poses, palette de couleur limité, distance permettant d'embrasser toute la scène. Elles ont été réalisées au format "1/1", c'est à dire en 800X600 pixels.
Elles reprennent des événements historiques ou des films qui ont marqué Haddock. A côté de meurtres politiques liés à lutte pour les droits civiques américains, on retrouve une scène du film "12 angry men" et la mort de Lady Di.

Une page d'image et une interview sur la série "screenshots"
Un "making of" de l'auteurhttp://whitelead.com/jrh/screenshot...

Evil interior de Palle Torsson

Sur base du moteur de jeu Unreal Tournament 2003, Torsson a recréé une série de décors sortis de films de thriller ou d'épouvante. En ont résulté une série de tirages papier des scènes créées et quelques vidéos.

Ce genre d'exercice n'est pas isolé dans l'histoire récente des arts digitaux, mais la précision des reconstitutions en font l'attrait. La froideur et la distance de ce genre d'image, leur lumière surréelle et leur textures low def et répétitives rajoutent au climat oppressant des films originaux.

Voir la page du projet, avec un lien vers les images

Vertigo/Cinema Redux de Brendan Dawes, 2004

Prendre une image à intervalles réguliers dans un film historique, le mettre en vignette côte à côte dans un poster géant, on obtient Cinema Redux. Dawes construit une machinerie en Processing et n'a plus qu'à l'appliquer a différents films.

Voir la page du projet sur le site de Brendan Dawes

Cory Arcangel

Stéphane Noel — 2008-04-01T09:50:48Z

Artiste AmÃ©ricain vivant Ã New York, nÃ© en 1978. Il fait partie d'une gÃ©nÃ©ration d'artistes qui a grandi avec les consoles de jeux. Faire entrer la culture 8bits au musÃ©e semble son pari rÃ©ussi.

Clouds and roads

La peinture de paysage fait partie de l'histoire moderne des arts. Elle a fait passer, entre la renaissance et le romantisme, un objet secondaire de la peinture (ce qu'il y a autour d'une madone, d'une scÃ¨ne de la bible), au premier plan, affirmant qu'un rapport Ã Dieu, une prÃ©sence de l'homme, pouvaient Ãªtre manifestÃ©s par ce qui est considÃ©rÃ© comme un accessoire.

Ce glissement historique a quelque chose Ã voir avec l'abstraction, au fait d'abstraire, littÃ©ralement, de morceaux de la peinture pour les exhiber, bÃ©ants, fascinants de virginitude, insensÃ©s. La fascination de l'insensÃ©, la rÃ©vÃ©lation de l'accessoire sont des enjeux typiquement modernes.

Tout cela pour placer le travail de Cory Archangel dans une filiation de la peinture de paysage, et de la modernitÃ©. Les travaux de Arcangel les plus connus sont cependant plus complexes qu'une simple continuitÃ© de la peinture romantique, mÃªme si une certaine nostaglie empreint l'ensemble de son travail sur les jeux 8 bits. La console NES semble avoir Ã©tÃ© le point d'entrÃ©e de Arcangel dans la culture digitale. Une sorte de fÃ©tichisme semble du coup frapper ces cartouches de jeu dÃ©montÃ©es, recodÃ©es et ressoudÃ©es. Elle mettent Ã nu l'inconscient visuel des jeux Nintendo, ses motifs infinis et rÃ©pÃ©titifs, ses formes simples, iconiques et emblÃ©matiques.

Beaucoup d'adolescents des annÃ©es 80' auraient voulu stopper l'action des 2 premiers volets de la guerre des Ã©toiles pour pouvoir goÃ »ter au quotidien sur la planÃ¨te Tatooine. Super Mario Clouds rÃ©alise ironiquement ce fantasme adolescent, supprimant l'action des cartouches de jeu, ne laissant que des objets flottants et disjoints s'Ã©taler sur l'Ã©cran.

ComplexitÃ© Ã©motionnelle des jeux vidÃ©os

Il est assez symptomatique de voir que l'histoire des Ã©motions en art ne fait que peu de cas de la relation affective du public aux jeux vidÃ©os. Le discours gÃ©nÃ©ral se focalise sur la consommation des jeux, parle d'addiction, de plaisir immÃ©diat, d'adrÃ©naline. Au mieux il y ajoute l'Ã©pilepsie, comme l'Ã©motion ultime et effrayante, punition du joueur infantile, sorte de gorgone du joueur.

Cory Arcangel ajoute donc le spleen, la rÃ©miniscence et d'autres Ã©motions complexes, qui montrent que l'aura de Walter Benjamin n'a pas disparu, que l'Ã©motion esthÃ©tique peut faire flÃ¨che de tout bois, qu'une formule 1 dessinÃ©e avec 64 carrÃ©s peut produire quelque chose d'aussi vif et complexe qu'une pÃ¢tisserie franÃ§aise portant un prÃ©nom fÃ©minin.

AuthenticitÃ© de l'age numÃ©rique

L'authentique Ã l'Ã¨re de la distribution de masse est un concept Ã©trange, mais le travail de Arcangel Ã©chappe au discours traditionnel du "vintage", ce mÃ©lange Ã©trange de fÃ©tichisme et de collectionnite typiquement mÃ©prisÃ© par les Ã©lites culturelles, trop proche, d'une certaine maniÃ¨re, des pratiques de consommation et mÃªme de production de l'art.

Un travail comme "Super Mario Clouds" a quelque chose Ã voir avec la notion d'authenticitÃ© chÃ¨re au rock'n'roll, aux collectionneurs de GI Joe et d'art. La projection vidÃ©o de la route de F1 Race redessinÃ©e avec un logiciel n'aurait aucun intÃ©rÃªt. C'est pourquoi les expositions de Cory Arcangel mettent en scÃ¨ne de vraies consoles NES. Ce n'est pas un dÃ©tail : le medium de Arcangel est la console de jeu, pas simplement son esthÃ©tique.

De la mÃªme maniÃ¨re, c'est une cartouche Super Mario qui est utilisÃ©e, pas un codage d'aprÃ¨s une cartouche. Cependant, la cartouche de jeu est ici hackÃ©e, dÃ©coupÃ©e, dessoudÃ©e.

C'est que le travail a plus avoir avec l'hybridation, l'appropriation, qu'avec la conservation sous cellophane d'un objet culte. Arcangel travaille AVEC la NES comme matÃ©riau physique. Elle est prÃ©sente dans ses multiples dimensions : code, chip, soudure autant que plage de couleur et signe, ce qui rapproche ce travail des collages cubistes et fait le entrer pleinement dans l'Ã¨re numÃ©rique.

Production et distribution numÃ©rique

En effet, l'oeuvre de Arcangel amÃ¨ne des changements conceptuels et structurels importants :
Medium issu de la culture de masse : la console Nes et les cartouches de jeu.
DÃ©tournement : Arcangel travaille avec le matÃ©riau mÃªme, et le hacke trÃ¨s simplement, lui appliquant une logique soustractive, une forme d'intervention facile en musique par exemple, mais rarement possible aussi "proprement" dans les arts visuels.
Travail collaboratif : en plus de reprendre, comme une bouture, une partie du code et des sprites (images) des programmeurs originaux des jeux, Arcangel a discutÃ© et Ã©laborÃ© ses projets avec d'autres programmeurs.
VirtualitÃ© de l'oeuvre : difficile de dire oÃ¹ se trouve l'oeuvre d'art. Est-ce la surface, l'assemblage de projection, l'objet de la cartouche, le code Ã©crit, l'attitude de dÃ©tournement ?
Distribution libre de la mÃ©thode de production : le code entrÃ© dans la puce est fourni sous toutes sorte de formes : page html, pdf, livre, un didacticel montre comment souder et dessouder la puce, oÃ¹ en racheter si Ã§a se passe mal, etc.
Diffusion libre de l'oeuvre sur un support utilisable gratuitement : le rÃ©sultat final, la cartouche, a elle-mÃªme Ã©tÃ© virtualisÃ©e pour Ãªtre utilisable par un Ã©mulateur (programme informatique permettant de lire un programme Ã©crit pour une autre machine), et donc Ãªtre utilisable par n'importe qui.

Chacune de ces approches ont dÃ©jÃ Ã©tÃ© revendiquÃ©es par des artistes modernes et contemporains. La virtualitÃ© par exemple, est une question de l'histoire de la musique : l'art est-il dans la partition ou dans l'exÃ©cution de l'oeuvre ?
C'est cette combinaison dans un seul travail qui fait la spÃ©cificitÃ© de l'approche d'Arcangel.

Ironie et rÃ©conciliation

J'ai parlÃ© ici des oeuvres les plus saillantes de Arcangel sur cartouche NES. Il a d'autres travaux Ã son actif, ainsi la recompression 666 fois d'un morceau de hard core, ou le fameux "I shot Andy Warhol". Ces travaux rÃ©vÃ¨lent un aspect plus ironique du travail de Arcangel, aussi prÃ©sent dans Super Mario Cloud.

Cet aspect m'intÃ©resse moins, l'ironie est une approche dominante dans la production et consommation des loisirs numÃ©riques en gÃ©nÃ©ral (blagues de bureau, vidÃ©os potaches, photoshoppages divers).

Arcangel a aussi une activitÃ© de musicien, et a rÃ©alisÃ© Ã la croisÃ©e de ses disciplines "A couple thousand short films about Glenn Gould", une collection de vidÃ©os glanÃ©es sur le net remontÃ©es note par note, fracassant l'un contre l'autre les notions de virtuositÃ© et d'amateurisme.

Avec les artistes de la gÃ©nÃ©ration d'Arcangel semble enfin arriver la rÃ©conciliation des arts numÃ©riques et traditionnels, quand enfin les NTIC ont perdu le N de "nouveau".

Voir en ligne : Site de Cory Arcangel

Hommage et citations, exemples

Stéphane Noel — 2008-03-09T21:47:37Z

Hommages et citations abondent dans les arts numériques, cet article prend des exemples de citations d'oeuvre non-numérique dans les arts numériques, et pas par exemple des citations internes aux arts numérique (Super Mario Cloud de Arkangel par exemple)

Mickey va au musée / Walt Disney Productions

Ce premier exemple n'est pas revendiqué comme art numérique, mais il en est manifestement. Reprenons.
Dans une bande dessinée de 1947, Mickey enquête dans un musée. Walt Disney, auteur du récit, méprisait l'art moderne, et remplit de caricatures d'oeuvre d'art les murs du musée qui servent de décor à l'histoire.

Bertrand Lavier, en bon conceptuel ("Inspiration ne rime pas avec transpiration" est une de ses devises), a eu l'intuition qu'il y avait là quelque chose à exploiter, et a délégué en 2002 à des techniciens un travail de fourmi : extraire de ces images les oeuvres d'art exposées pour les reproduire à échelle 1/1 du monde des souris à celui de l'espace d'exposition réel. La plupart des oeuvres ont nécessité un travail de transformation numérique : redresser les perspectives, enlever les éléments cachant des morceaux de tableaux, et quelques oeuvre en trois dimensions ont requis une reconstitution via des logiciels 3D. Ce travail numérique invisible montre bien la fine ligne qui sépare art dit traditionnel avec ceux dits "des nouveaux médias". La percolation a commencé depuis longtemps.

>> Quelques images de l'expo

Deep throat / Deep ASCII

L'année 1972 a semblé doublement marquante pour Vuk Cosik : c'est l'année de la sortie de Deep throat, qui marque l'age d'or du hard américain. C'est aussi l'année de la sortie de Pong, qui marque l'arrivée du jeu vidéo pour le grand public. Tous deux seront des succès commerciaux époustouflants.

Cosik va conglomérer ces deux événements dans un seul objet, un jeu de café projetant le film X culte en version ASCII, selon le programme du ASCII art ensemble dont il fait partie, dont le propre est de transformer des films cultes en version ASCII.

>> Le film (en ASCII bien sûr)

Date paintings / OnKawaraUpdate

Les "date paintings" de On Kawara sont des objets simples et vertigineux. De différents formats, ces toiles monochrome reçoivent en lettres blanches la date du jour où elles ont été peintes. Elles sont donc tautologiques, ce qui est typiquement conceptuel, et incorporent dans l'oeuvre une information qui est traditionnellement placée à côté de l'oeuvre, sa date de réalisation. On Kawara glissait traditionnellement dans la boite qui sert d'écrin à la toile une coupure de presse du jour, objet énigmatique qui ne dit rien sur la toile pas plus que la toile ne l'éclaire. La toile est un moment de la vie de l'artiste ce jour là , lui même portion du monde ce jour là .

En 2001, MTTA (un duo d'artiste) crée une version web de cette série, toujours active actuellement. La date du jour y est affichée, et un clic sur la date récupère un article de presse. Une parfaite machine célibataire, qui n'appartient plus à personne.

Alerting Infrastructure ! / Samson

"Samson" de Chris Burden (1985) était un montage mécanique fait d'un tourniquet et d'un cric géant. Chaque visiteur passant le tourniquet actionnait le cric, poussant sur les murs porteurs du lieu d'exposition de quelques microns.

J. Brucker-Cohen a fait avec Alerting Infrastructure ! (2003) une citation simple et efficace. Chaque visite de la page web de son projet actionne un dispositif dans l'espace de la galerie : un marteau-pic surspendu à un cable est alimenté pendant quelques secondes, sutillant de manière anarchique et piquetant un mur dédié.

Agatha appears / Better scenery

Pas vraiment une citation mais un parallèle intéressant.
Olia Lialina a réalisé en un travail, "Agatha appears" (1997), low tech comme elle sait les faire, dans lequel une histoire est éclatée non seulement dans son récit, mais aussi sur l'ensemble du réseau. Un clic nous fait avancer par bonds incertains dans l'histoire, mais nous fait sauter, de manière invisible ailleurs que dans l'url, de serveur en serveur, comme le fait l'héroïne du récit, Agatha.

Adam Chodzko, de son côté, a créé avec "Better scenery" (2002) un réseau mondial de panneaux narratifs expliquant comment... se rendre d'un panneau à un autre. disposés dans des lieux hétéroclites (champ, déserts, intérieur d'usine), écrits de manière simple, ils nous invitent à faire des centaines de kilomètres dans un jeu de piste mondial.

>> Adam Chodzko
>> Agatha appears

Empire / Empire 24/7

Le plus direct, peut-être, des citations présentées ici est le "Empire 24/7" (1999) de Wolfgang Staehle, qui fait explicitement référence au "Empire" de Warhol (1964). Le film de Warhol, un trèèès long métrage (plus de 8 heures), où l'Empire state building de New York était filmé entre 8h06 du soir à 2h42 du matin, en ralentissant de plus le film projeté à 16 images/secondes. L'expérience du temps réel, l'aspect minimal de la narration (le jour tombant sur le plus haut building de NY), en ont fait un film marquant des années 60'.

Lors de l'exposition "net_condition" à la ZKM, Staehle (fondateur de the thing, réseau pionnier du net art) installe à son tour une caméra, mais la pellicule est remplacée par le net, et la projection est instantanée. l'expérience du décalage horaire et de l'instantaneité remplace le temps réel de Warhol. La compression de l'espace par la transmission du réseau est restituée dans ce travail avec l'apparition d'une nouvelle image toutes les 4 secondes.

Un extrait de "Empire" de Warhol (Flash Video, 11.4 Mio)

Flavin /Read

Dan Flavin travaillera à partir de 1964 uniquement avec des tubes fluorescent et leur structure. Après un mauvais accueil de ce travail jugé trop beau pour être minimaliste, il deviendra un des fer du minimal art. Irradiation de la lumière dans l'espace autant que l'objet néon lui-même l'intéresse. Regarder un objet qui sert d'habitude à regarder fait partie de la logique de déconstruction de l'artiste, mais son travail passera vite d'un simple geste quasi conceptuel à un travail de plasticien.

En 2006, Steven Read réalisera une pièce qui n'est pas une citation précise, mais plutôt un hommage au minimal art et Flavin en particulier. Il s'agit d'un écran monochrome d'un vieil ordinateur (un apple 2) exécutant un programme simple, qui remplit son écran de caractère, projetant une lumière verte dans une pièce de petite dimension. Sin une dimension Cynétique est ajoutée au travail, assez étrangère à Flavin (ses néons étaient simplement allumés), l'allusion est claire. Evidemment, l'écran allumé éclairant l'espace est entretemps devenu une expérience plus intime, là où les néons indistriels de Flavin jouaient d'une expérience plus distante, plus "cool white".

Flavin sur wikipedia
La fiche du travail de Read

o1's, performances sur second life

Depuis 2007, les 01's ont réalisé sur secondlife une série de performances "live" qui réédite des performances historiques de l'art des années 70-80. Le fameux "shoot" de Chris Burden est assez emblématique.
Dans cette pièce de 1971, Burden a demandé à une personne de froler son bras avec une balle de fusil. Le risque pris pas le performer était limité, mais réel. La balle traversa le bord de son bras, allant plus loin que prévu et rendant célèbre cette performance plus qu'elle n'aurait dû (de mon point de vue, ce n'est pas parmi les meilleures performances de Burden).

Lorsque les 01 rééditent cette performance en 2007, à l'intérieur du logiciel en ligne secondlife, on est loin du risque faible mais réel de Burden. Tout comme l'artiste Marco Cadioli, reporter de guerre dans les parties de Counter strike, la virtualité du monde en réseau réduit à néant les risques physiques. Du coup, délesté de cette physicalité, est-on plus proche des concepts, donc de l'essence de ces travaux ? C'est une des questions posées par ces performances online.

Hans Haacke/Josh On

Hans Haacke est un artiste conceptuel pur jus. La forme eclectique de ses interventions (de la photocop sous cadre à la sculpture monumentale publique), qui montre un faux faible attachement à la forme, cohabite avec une constance dans son approche politique de l'art. Dénoncer, mettre à nu, les relations entre culture et pouvoir, dans ses divers aspects : musée et milieu de la finance, artistes et gouvernements, histoire et histoire de l'art. Les musées, dans les années 70, traversent des crises d'identité, critiqués pour leur pouvoir abusif de "lieu de l'art" et leur top peu d'implication dans l'art contemporain, leur côté "mouroir de l'art". Les artistes engagés, comme Haacke (ou buren et d'autres encore) ne peuvent plus l'approcher que dans la critique, l'ironie, voire le mépris. Pourtant ils y seront invités, recevant commandes et aides diverses.
Un des travaux importants de Haacke dans le début 70 est "Shapolsky real estate holding". Une commande du Guggenheim, à laquelle Haacke répond par un travail inacceptable pour l'establishment du musée : la dénonciation des grands propriétaires immobiliers des quartiers pauvres de New York.
146 photos pourries de façades délabrées, des notes dactylographiées sur papier machine, des plans mettent en évidence que les quarties pauvres, laissés à l'abandon, sont aux mains de quelques propriétaires riches, dont principalement Shapolsky, donateur généreux du Guggenheim...

La forme est volontairement pauvre, l'esthétique ne doit pas freiner la froideur de la monstration. C'est un dossier, juste mis sous cadre. Haacke atteint son but : le musée annule la présentation du travail, sous le motif "deals with 'specific social situations' not considered art".

En 2004 Josh On met en place une application fabriquée avec flash "They rule", qu'il construit comme un outil de recherche, à compléter par tous. Il permet de visualiser, de manière riche et interactive, les membres des CA des plus grandes sociétés internationales, et les liens qu'ils entretiennent entre eux, par un biais strictement professionnel. Qui s'assied à la même table que qui, pour y prendre des décisions, dans toutes ces grandes compagnies qui ont un impact réel sur nos vies ? "They rule" permet de le découvrir en quelques clics et une base de donnée.

Entre les deux travaux des différences et similitudes très intéressantes : Haacke s'inscrit dans une relation oedipienne au musée, mord la main qui le fait vivre, là où Josh On travaille dans un monde globalisé où personne ne l'attend, avec un outil qui ne pourra pas déstabiliser les groupes puissants qu'il symbolise par des tables et des icônes anonymes.
Le musée semble un milieu bien confiné à côté de l'univers que dénonce Josh On, et le rôle de l'esthétique a changé dans les 20 années qui séparent les deux travaux. Même si l'application de Josh On est d'une grande sobriété, elle fait un pas vers le visiteur que Haacke se refuse à faire. C'est que celui-ci s'adresse au musée lui-même plus qu'à un public, faisant du spectateur, un témoin du face à face qui rend victorieux Haacke là où il semble perdre : en se faisant interdire, il prouve sa pertinence, la justesse de sa révolte. Josh On ne peut espérer telle réaction, et sa démarche est plus matinée de "citoyenneté", ce désir de rendre conscient un public vaste pour opérer des changements sur le long terme en faisant confiance à l'humain.

Un article sur Haacke