Arts numériques

Tennis, Cool3dworld, 2019

Stéphane Noel — 2020-02-04T00:16:12Z

Tennis est une vidéo parmi une centaine d'autres produites par le duo d'artistes Brian Tessler and Jon Baken et diffusée sur différents réseaux sociaux sous le nom Cool 3D World depuis 2015.

La chaine youtube Cool 3D World a été créée en 2015. Elle s'est fait connaitre par les réseaux sociaux, Facebook notamment, et par le système des recommandations des service d'hébergements de vidéo (Viméo et Youtube) et le phénomène du "buzz", sans que personne ne sache exactement qui était derrière ce travail inidentifiable.

Les premières vidéos datées de 2015 font à peine quelques secondes, présentant des personnages en images de synthèse (un terme certes un peu vieillot mais qui a l'avantage d'être plus précis que "3D") aux corps difformes, nus et luisants mis en scène dans des situations grotesques.

La laideur des corps et la cruauté récurrente des situations va de pair avec une esthétique de banque d'images 3D. Depuis les premières vidéos postées, l'esthétique est proche des mauvaises vidéos commerciales, à la fois par les textures, les éléments de décors et les types d'objets impliqués (mobilier, arbres et personnages). A ceci près que les personnages qu'on peut voir sont tous difformes, luisants et nus.

Les deux auteurs publient régulièrement des vidéos de compilation et leurs dernières productions font désormais plusieurs minutes, avec un fini plus poussé attestant de leur maitrise des logiciels de modélisation et d'animation, et de l'évolution de ceux-ci.

Du point de vue narratif, les vidéos se contentent d'un enchainement d'actions vides de sens, car elles citent une esthétique précise : la vidéo promotionnelle de démo technique. En effet, chaque aspect technique de l'animation en image de synthèse semble faire l'objet d'une exploitation particulière : animation de personnage, morphing et autres déformations, textures 2D et 3D, mouvements de caméra, animation d'objets multiples, éclairages, etc. La bande son elle même est cohérente avec la citation : une musique de studio.
La vidéo de démo est un type d'objet esthétique particulier, présent depuis les début de l'industrie de l'image de synthèse, et a toujours posé problème : que faire pour rendre ces démonstrations techniques intéressantes ? Projetées lors de foires commerciales bien avant l'invention d'internet, elles appartiennent à une sous-cultures d'images liées à l'industrie, comme les manuels techniques et les vidéos d'entreprises. L'attrait des artistes pouce ce type de production est présent depuis longtemps. La semaine de bonté de Max Ernst peut déjà être situé dans cette lignée.

L'aspect grotesque du collage n'est pas sans rappeler par ailleurs l'image emblématique du mouvement pop : Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ? de Richard Hamilton (1956), faisant apparaitre un homme en maillot tenant une sucette à la main, accompagné d'une femme à la pause stéréotypée dans un intérieur au style moderniste.

"We started working together in the summer of 2015, exchanging musical and visual ideas. Cool 3D encompasses both of our styles from the past but also has been the platform for new experiments and ideas. We've had a lot of fun developing our craft.â€
â€” Jon Baken

Brian Tessler et Jon Baken ont donc à la base utilisé le web comme support pour échanger des idées et stimuler l'apprentissage des logiciels 3D. Le statut de ces vidéos est donc incertain du point de vue artistique. Mais la cohérence de l'univers plastique, la viralité de leurs vidéos, l'anonymat de sa production, sont les ingrédients d'une expérience de l'art pleinement contemporaine, quelque part entre le mème et le tag. Une familiarité étonnante, la reconnaissance immédiate de l'adéquation de l'oeuvre avec son cadre de réception, associé à une forme de complicité aux contours flous.

Le travail de Brian Tessler et Jon Baken est accessible à travers différents réseaux sociaux, de youtube à Instagram, mais n'a pas fait à ma connaissance d'exposition ni d'acquisition, pas plus que les deux hommes n'ont revendiqué le statut d'artistes.

Le site du groupe

"The Pirate Cinema", Nicolas Maigret, 2013

Stéphane Noel — 2018-04-22T21:37:18Z

Cette installation offre la visualisation de paquets d'information envoyés et reçus entre un serveur (installé en Suède) et un ensemble d'ordinateurs connectés, partout sur la planète, à travers le protocole peer to peer.
Elle offre des images spectaculaires, provenant principalement de blockbuster et de clip vidéos à la mode, une soupe pop posant la question des droits, de l'échange illégal de données et dans une culture globalisée.

L'installation est constituée de 3 écrans grand format affichant des images, accompagnés de sons fragmentés, au gré des échanges entre le serveur de l'artiste et ses contacts en peer to peer.

Tracking de flux

Le protocole peer to peer apparait après la chute sous le coup de procès à répétition du premier gros système d'échange de fichiers pirates, Napster, créé en 1999, et qui partagera les données de 80 millions d'ordinateurs à son apogée, avant de devenir payant en 2001.
Napster tombe à cause d'une faille dans sa structure : les applications installées sur les ordinateurs personnels se connectent sur un serveur central qui possède la liste de tous les fichiers partagés. Le partage de cette base de données est illégal. Le Peer to peer résoudra ce problème par un protocole ne nécessitant aucune centralisation de l'information, même celle de l'endroit où se trouvent les "clients". Ce système sera appellé torrent, ou bittorrent, ou plus génériquement "peer to peer". C'est un protocole et pas une application spécifique, il n'appartient donc à personne.

Ce que l'installation de Nicolas Maigret affiche, ce sont les contenus des paquets d'information. Ils transitent non pas bits par bits anarchiquement, mais par petits morceaux aggégés. On peut donc voir passer une seconde de musique, des frames d'un fichier vidéo, parfois rendu illisible par le codec vidéo employé. Les vidéos sont la plupart du temps composées d'images-clés (images complètes que l'on retrouve à intervalles réguliers selon le degré de compression (toutes les 24 images par exemple) et des des images intermédiaires qui ne renseignent que les parties de l'images qui sont différentes de l'image-clé (voir l'article sur ce sujet, sur ce site). Récupérer et afficher une image au hasard dans le flux d'un fichier se solde donc souvent par un résultat "glitché"

Un ensemble de scripts est donc développé pour charger les 100 torrents les plus populaires sur le site Piratebay. Le serveur chargé d'opérer les transferts recherche d'autres ordinateurs procédant aux transfert des mêmes fichiers et commence à recevoir et envoyer les données. La liste des paquets, leur provenance, leur destination, leur type, le nom, bref les métadonnées, sont alors analysés et certains des paquets sont choisis pour être affichés sur les écrans de l'installation, en même temps qu'une partie des informations.

Voyeur de Hans-Peter Feldmann est une série de livres dans lesquels l'artiste allemand place sans cohérence apparente des images provenant d'un spectre large de sources : journaux, revues d'actualité ou revues érotiques, livres d'histoire, etc. Page après page, on peine à trouver un fil rouge quelconque. Les livres sont au final le reflet pop des images auxquelles peut être exposé chacun d'entre nous au cours d'une journée, d'une période ou d'une vie, soulignant la quasi impossibilité de faire sens, tout en étant constamment demandeur d'en voir plus, d'où probablement le titre de la série.

"The pirate cinéma" partage la même vision pop et le même refus du sens, mais en prenant pour cible la "top list" du site Piratebay, il soumet le visiteur à un flux sélectionné qui renvoie à la question de la popularité. Blockbusters, érotisme et pornographie sont sur-représentés, renvoyant à une industrie culturelle globalisée à faible spectre, constamment mise à jour, sans jamais faire oeuvre de mémoire, ni brasser les nombreuses sous-cultures du net. Des surprises apparaissent ça et là , au grè de fluctuations du réseau, mais la plupart des visages et images apparaissant appartient au même monde que nous, ce qui en fait une oeuvre pop dans la lignée du pop art le plus tapageur, celui de Warhol. Warhol renvoyait d'ailleurs à son public la question du choix, en prétendant n'être qu'un miroir, qui mis face à un autre miroir, celui du public, ne renvoie simplement rien.

L'oeuvre semble avoir pour but ultime de manifester, donner forme au concept abstrait de "flux". De la visualisation de données qui se rapproche elle-même d'effets hollywoodiens, alliant images suaves, glitches et images connues, comme une part visualisée de l'inconscient collectif de la culture globalisée.

Johnny Mnemonic, Robert Longo, 1995.

Minority report, Steven Spielberg, 2002.

Une interview de Nicolas Maigret sur libération

"Christ mourant", Antoine Schmitt, 2006

Stéphane Noel — 2013-10-26T15:49:47Z

"Christ mourant" est une projection vidÃ©o, sur mur ou drap, selon les contextes. On peut y voir un ensemble de parallÃ©lÃ©pipÃ¨des, bÃ¢tons luminescents disjoints aux arÃªtes marquÃ©es. Pas de dÃ©cor, pas d'accessoires, pas de chair, mais la silhouette produite par l'organisation des Ã©lÃ©ments est sans ambiguÃ¯tÃ© : nous sommes face Ã un christ en croix.

La figure minimale de christ produit rapidement une forme diffuse de malaise : elle est traversÃ©e de lÃ©gers mouvements. Bras, jambes, tÃªte et torse se meuvent, lentement ou par Ã coup, de maniÃ¨re naturelle. Ils donnent Ã la figure abstraite une prÃ©sence physique forte. Par la mÃ©canique de l'empathie, nous pouvons ressentir la douleur de JÃ©sus de Nazareth bien mieux que ne nombre de statuettes en bronze rencontrÃ©es depuis l'enfance.
Schmitt a utilisÃ© une Ã©mulation logicielle de la pesanteur et des contraintes physiques d'un corps humain, pour modÃ©liser la gestuelle d'un corps clouÃ© en station debout â€” ou crucifiement. Du coup, son Christ restitue une douleur synthÃ©tique sans dÃ©but ni fin, une agonie potentielle et infinie.

Plonger dans l'histoire

A contrario de nombre dâ€™Å“uvres numÃ©riques travaillant sur l'extrÃªme contemporain avec l'analyse de flux, de "big data" et l'utilisation de rÃ©seaux sociaux, Schmitt plonge les mains dans une iconographie riche de plus de 500 ans d'histoire, qui a donnÃ© lieu Ã de multiples chefs-dâ€™Å“uvre, et fait l'objet de dÃ©bats esthÃ©tiques et thÃ©ologiques. Sa version appartient Ã la catÃ©gorie du "Christus dolens" (Christ souffrant), typiquement reprÃ©sentÃ© avec la tÃªte penchÃ©e, Ã©crasÃ© par la gravitÃ© terrestre, partageant notre sort Ã travers la douleur ressentie et le sentiment dÃ©chirant de l'abandon : "PÃ¨re, pourquoi m'as-tu abandonnÃ© ?".

Schmitt avoue avoir Ã©tÃ© influencÃ© par le retable d'Issenheim, reprÃ©sentation maniÃ©riste montrant un christ aux mains singuliÃ¨rement tordues par la souffrance.

"Lorsqu'il traite de la condition humaine, mon travail artistique implique souvent une entitÃ© vivante placÃ©e dans une situation dÃ©licate et s'intÃ©resse aux formes d'empathie qui se mettent en place entre les spectateurs et cette forme vivante. Bien que je ne sois pas croyant, j'ai toujours ressenti une grande empathie et une fascination pour cette situation dÃ©licate par excellence : le Christ sur la croix, souffrant et se sacrifiant pour le salut de l'humanitÃ©. Mon travail ne pouvait pas un jour ou l'autre ne pas aborder le sujet. Le Christ Mourant est un hommage, non dÃ©tournÃ©, pour le Christ, que je considÃ¨re comme une crÃ©ation culturelle remarquablement et mystÃ©rieusement symptomatique des tourments de la psychÃ© humaine.

Dans le Christ Mourant, je me suis focalisÃ© sur le moment climactique de la mort du Christ sur la croix et je fais durer ce moment indÃ©finiment. Le personnage que nous voyons ne meurt jamais mais il meurt toujours. Dans cette piÃ¨ce, j'ai recrÃ©Ã©, en utilisant des modÃ¨les 3D et un moteur de physique inspirÃ©s de ceux des jeux vidÃ©o, les conditions physiques de la mort du Christ : un corps pendu par les mains et les pieds clouÃ©s, tentant de tirer sur ses bras pour pouvoir respirer, ne pouvant tenir cette position extÃ©nuante, essayant sans fin. Le personnage que nous voyons souffre vraiment indÃ©finiment, dans son monde Ã lui, et nous le sentons.""

"Pas d'intÃ©raction"

La description de la piÃ¨ce par Schmitt spÃ©cifie : "Pas d'intÃ©raction". C'est une mÃ©taphore ironique de cette figure importante de la chrÃ©tientÃ©. Nous ne pouvons en effet interagir avec un christ en croix, il nous est lÃ©guÃ© par la culture judÃ©o-chrÃ©tienne, dont il incarne le concept de rÃ©demption. Image maÃ®tresse surexploitÃ©e, elle a pourtant subi tout au long de l'histoire de l'art "l'effet Warhol" par sa production mÃ©canique en sÃ©rie. "Plus on regarde exactement la mÃªme chose, plus elle perd tout son sens, et plus on se sent bien, avec la tÃªte vide."

On ne peut mettre au dessus de la porte d'une maison la figure d'un corps agonisant que si elle est devenue un symbole, ou une icÃ´ne. C'est donc une image aussi violente qu'anesthÃ©siÃ©e, suspendue haut dans les Ã©glises de chaque village, embrassÃ©e Ã genoux et les mains jointes par des gÃ©nÃ©rations de paysans et d'aristocrates pour des pÃ©chÃ©s finalement inexpiables. Un instrument puissant.

Infini est le logiciel

La force du travail de Schmitt est de redonner de la prÃ©sence Ã son Christ. Le corps redevient soudain proche, et son agonie palpable. L'abstraction du corps, pour ne laisser que le mouvement, permet de dÃ©gager la piÃ¨ce d'une dÃ©bauche d'effets charnels dont nombre dâ€™Å“uvres d'art on fait leur succÃ¨s : le sang, la sueur, les larmes, mais aussi le beau visage have, les yeux implorants, les plaies, les muscles saillants, tout ce qui fait du corps du christ cette offrande totale, une spectaculaire figure du rachat de nos pÃ©chÃ©s par un Dieu descendu parmi les hommes.

Du coup, la concentration de notre intention va sur ce malaise physique, ce corps soumis Ã la fatigue et la pesanteur, ce qui produit une empathie paradoxalement plus forte, et un dÃ©sir d'agir nouveau face Ã cette figure quasi millÃ©naire. La reprÃ©sentation, mÃªme cinÃ©matographique (on peut penser par exemple au La derniÃ¨re tentation du Christ de Scorsese) de la passion nous entraine immanquablement dans le spectacle tragique auquel nous assistons en spectateur dÃ©solÃ© et distanciÃ©. Schmitt recrÃ©e cette situation, mais la suspension infinie de ce moment d'agonie convoque plus tragiquement cette impuissance, car la prison du Christ est manifestement logicielle, constamment recalculÃ©e, aussi rÃ©elle d'un point de vue probabiliste qu'elle est immatÃ©rielle, reprÃ©sentation Ã©vanescente dans laquelle nous nous projetons.

Du coup, c'est notre impassibilitÃ© mÃªme face Ã la reprÃ©sentation de la douleur qui soudain interrogÃ©e. Celle du Christ, celle offerte par les mÃ©dias, qui est convoquÃ©e Ã sa suite. L'impuissance et sa mÃ©canique de culpabilitÃ© sont soudain rejouÃ©es, et on se surprend Ã penser qu'il n'est peut-Ãªtre pas trop tard pour soulager les douleurs de cet homme, ce qui est une pensÃ©e aux consÃ©quences incalculables.

Full effect, Jeremy Bailey, 2011

Stéphane Noel — 2013-09-27T16:51:56Z

Full effect est une vidéo postée sur Youtube dans le channel de Jeremy Bailey, qui se définit lui-même comme "the famous new media artist". Cette oeuvre discrète (1324 vues au moment de l'écriture de cet article) produit un ensemble de sensations indistinctes en reliant performance, vidéo et programmation.

Dans la plupart des vidéos de Bailey, il ne se passe pas grand chose. Une grappe de formes 3D basiques bougent de manière coordonnée, ou le visage de Bailey, un jeune homme mince et maniéré, apparait en gros plan, déformé par le grand angle, parlant face caméra. Et dans toutes les vidéos de Bailey, Bailey parle longtemps, évocant une rencontre, une invitation, un nouveau gadget technologique découvert.

Solitude démocratique

L'artiste moderne a été aux avant postes de la création de stratégies de visibilité. Comment produire un travail attendu mais aussi en rupture avec les normes artistiques en vigueur, comment assurer sa visibilité le plus rapidement possible, comme on dépose un brevet d'invention pour capitaliser la reconnaissance de ses pairs, des galeristes et du marché ? Le narcissisme est un des péchés généralement associé aux artistes, mais tous les acteurs du milieu de l'art savent qu'il est une question de survie. Dans le milieu de l'art, la modestie est un accessoire inutile au prix exorbitant.
Cette question de survie socio-économique est devenue aujourd'hui le lot commun dans un monde globalisé et ultra-libéralisé régenté par les réseaux sociaux. Bailey marque cette radicalisation dans sa pratique, en utilisant un des lieux les plus immédiats de la mise en concurrence des flux vidéos : Youtube. Le nombre de "look at this" proféré dans ses vidéos est symptomatique d'un entertainement fébrile et angoissé. La peur de mourir seul et oublié est une des peurs les plus tabou de notre société hyperconnectée. Longtemps l'apanage des puissants, cette peur est désormais démocratisée, et dans les démocratie de masse, elle produit bon nombre de comportements nouveaux, via les outils numériques en particulier.

High tech low tech

L'installation interactive est un des domaines de l'art numérique les plus demandeurs en ressources. Ces installations sont fragiles, demandent du matériel fiable et le plus souvent couteux. Leur mise au point demande des heures d'efforts et des assistants qualifiés. Les effets sont rapidement banalisés et la surenchère est quasiment un mot d'ordre. Le secteur de l'événementiel utilise abondamment les installations interactives comme outils de promotion commerciale et déploie des moyens bien au delà de ceux de la plupart des artistes numériques.
Bailey ne peut rivaliser avec ces moyens. Bien que connecté à des développeurs de logiciels, il s'appuie sur sa propre expertise et ses capacités de codeur pour créer ses dispositifs. Leur relative indigence met en porte à faux l'affirmation de Bailey comme "famous new media artist". On ne peut pas non plus parler dans son cas d'une utilisation géniale (au sens de transcendance du génie) du medium. Bailey utilise des outils balisés, comme la reconnaissance de squelette, l'espace et les formes d'une 3D de base. Sa plus value pourrait alors être dans la dimension performative de ses vidéos. Mais là encore, elle s'énonce plus comme des démos rapidement jetées, terminant le plus souvent par une gesticulation effrénée épuisant ses dispositifs. Au bout du compte, on se demande donc bien ce qui peut bien faire des vidéos de Bailey de l'art.

L'art se juge sur pièces, et en l'occurrence "Full effect" est à mon sens de l'art. Cette vidéo est une confession face caméra, un genre établi aussi bien en vidéo art que dans le cinéma et sur youtube. Elle montre Bailey filmé en gros plan sur fond noir, évoquant la difficulté de montrer ses émotions, voix de plus en plus chevrotante dont on ne sait si elle est mauvais jeu d'acteur ou trouble réel. Après avoir confessé vouloir donner un meilleur accès à l'intimité de ses émotions, Bailey fait passer l'image vidéo à travers une série de filtres vidéos altérant l'image en temps réel, chaque changement cadencé par un "Do you understand now ?" au ton plutôt accusateur. La vidéo se termine par le clic de la souris sur le bouton stop.
L'ironie étrange de ce quelques minutes de vidéos est que non, on ne peut avoir accès à l'intimité émotionnelle grâce à des filtres vidéos. Mais cette démonstration se teinte immédiatement d'un vertige angoissant grâce à l'indécidabilité de l'objet. C'est que l'ironie de Bailey n'est jamais attestée, et que le dispositif est désarmant de simplicité.

On peut rapprocher le travail de Bailey de celui Nelson Sullivan, ce vidéaste new yorkais qui fixera sur cassette une tranche importante de la vie de la communauté homosexuelle des années 80' en tenant la caméra vidéo retournée vers lui. Nombre de ses vidéos traitent d'interactions sociales difficiles, comme celle-ci, parlant de la fureur froide de Sullivan de ne pas trouver ses amis.

Comme Warhol apparaissant en bon artiste pop dans un épisode de "Love boat" (La croisière s'amuse) en 1985, Bailey utilise le medium le plus ingrat, la vidéo youtube, pour exister. La concurrence maximale qu'il paie au prix fort, le faible nombre de visions de "full effect" en atteste.

Désarmer le jugement

Une de mes convictions est qu'il existe plusieurs fonctions de l'art, et qu'une de ces fonctions est de désarmer, c'est-à -dire pendant un court moment de suspendre le jugement (on dit baisser les armes ou faire tomber les barrières), en espérant qu'une réorganisation du sens puisse se faire dans cet intervalle. Pour être désarmant, une oeuvre doit être puissante émotionnellement (c'est la méthode la plus douteuse) ou nous mettre face à un expérience indécidable, qui active les sens de manière plus forte, et donne tout la place au fameux "le libre jeu de l'imagination et de l'entendement" dont parle Kant dans son esthétique. La confession de Bailey fait partie de cette deuxième stratégie. Å'uvre de petite portée, elle produit cependant des connections multiples entre elle et notre propre expérience du monde, connections en partie au moins mise en place par Bailey lui-même. C'est le signe indéniable que nous avons là une oeuvre et donc un artiste.

In flat B, Darren Salomon (+ guests), 2009

Stéphane Noel — 2010-10-05T23:17:09Z

Tags : musique, collaboratif, video, réseau social, net art

In B flat ("en si bémol") est une oeuvre collaborative. D'un point de vue purement matériel, c'est une page web contenant 20 vidéos youtube. Chacune de ces vidéos présente une séquence de 1 à 3 minutes environ, jouée comme le nom l'indique, en gamme si bémol, sur une large gamme d'instrument allant du "spoken word" à la console nintendo DS en passant par la trompette et le vibraphone.
Le visiteur a le choix de lancer entre une et 20 vidéos simultanément pour apprécier l'effet combinés des sons. La gamme choisie et les recommandations données par Darren Salomon (ne pas jouer trop fort, éviter les rythmes et mélodies trop marqués, privilégier les nappes sonores) font de "in B flat" une oeuvre plutôt mélancolique.

Cette oeuvre interactive ne vient pas de nulle part. Stylistiquement, on a affaire à de l'ambient, genre qui a une quarantaine d'années. L'aspect collaboratif renvoie au "jam session" en général, sauf qu'ici elle n'est pas simultanée mais médiée. L'écriture sonore en fait une oeuvre d'OuMuPo (Ouvroir de Musique Potentielle, dérivé de l'OuLiPo, expérience littéraire initiée par Queneau) et le média employé la met en rapport avec quelques millions de vidéos sonores existantes sur le net, démos d'instruments et hommages divers qui ont déjà fait le fruit de créations diverses.
Darren Salomon indique d'ailleurs dans le court texte de faq avoir été inspiré par une vidéo de Kutiman, qui a monté des dizaines de vidéo pour en faire un seul morceau (il s'en explique dans cette vidéo).

Darren Salomon, musicien lui-même, a sollicité des interventions à partir de mails ciblés et de son blog, et réalisé les quelques premiers instrumentations de sa pièce collective. Il a ensuite laissé arriver les propositions, la plupart produites par des artistes de bon niveau. Il a enfin sélectionné 20 d'entre elles et a produit la page. Les recommandations étaient :
– Sing or play an instrument, in Bb major. Simple, floating textures work best, with no tempo or groove. Leave lots of silence between phrases.
– Record in a quiet environment, with as little background noise as possible.
– Wait about 5-10 seconds to start playing.
– Total length should be between 1-2 minutes.
– Thick chords or low instruments don't work very well.
– Record at a low volume to match the other videos.
– You can listen to this mix on headphones while you record.
– After you upload to YouTube, play your video along with the other videos on this page to make sure the volume matches.

La place du spectateur

C'est donc la qualité des interventions qui fait la qualité finale de cette oeuvre assez rudimentaire techniquement. Car elle emploie comme média youtube, le plus banal des services 2.0 pour la vidéo, et la possibilité offerte à tous par ce service de placer ses vidéos dans une page quelconque.
L'internaute, arrivant en fin de parcours dans la production de cette pièce, n'en est pas moins important. Sans lui, pas d'oeuvre, juste une collection de vidéos. Son rôle est quelque part entre le DJ et le chef d'orchestre : il décide de quelles vidéos lancer, dans quel ordre, à quel moment, déterminant ainsi le rendu final du morceau joué. L'expérience est nettement supérieure à bon nombre d'installations intéractives, avec le sentiment d'une réelle personnalisation. Les "nappes" sonores de chaque participant jouent en effet sur des détails improvisés, qui font la saveur et rendent unique toutes les combinaisons.

Net art, toujours fragile

"In B flat" est une oeuvre fragile, une fragilité étrange puisqu'elle repose sur la perrenité de Youtube, et sur la capacité et l'envie pour Darren Salomon de continuer à payer le nom de domaine qui héberge la page. Un jour donc, dans quelques mois ou quelques années, l'un et/ou l'autre s'arretera, et il ne restera de "in B flat" que des versions statiques, enregistrées par quelques amateurs.

Un extrait

La magie des médias 2.0 permet d'en mettre un extrait ici, dont le statut est incertain :

Voir en ligne : http://www.inbflat.net/

"Georges Brassens et la puissance de la fonk" par Mozinor, 2008

Stéphane Noel — 2010-08-14T18:10:49Z

Tags : Low-fi, end user, détournement, vidéo, web 2.0

Mozinor est un artiste anonyme français, habitant probablement Montreuil, dans le quartier de l'usine du même nom. Depuis 2004, à l'aide d'un ordinateur et d'un micro, Mozinor a produit des dizaines de vidéos détournant des classiques de la culture pop (cinéma et vidéoclips principalement, mais aussi des journaux télévisés). Les images sont montées puis doublées par lui seul, puis diffusées sur le net. Censuré sur youtube plusieurs fois, il archive ses vidéos sur dailymotion.

"Georges Brassens et la puissance de la fonk" est basé sur un passage télé de Brassens, début 80'. L'image y est remontée et les voix de tous les intervenants doublées par Mozinor seul. Cette séquence hilarante montre un Brassens pris par le virus de la fonk, critique lucide et goguenard de la France de Pompidou et de la télévision publique française. Un objet complexe, mêlant nostalgie et foutage de gueule, dépassant d'une tête quelques milliers des doublages vidéos que l'ont peut trouver sur le net.

Le détournement est une pratique au moins aussi ancienne que l'imprimerie, mais l'ordinateur permet à n'importe qui possédant un budget de 500 euros, une connexion internet et quelques logiciels crackés de s'attaquer virtuellement à n'importe quel contenu digitalisé. Mozinor est donc un des millions de consommateurs qui recrache sur les services "2.0" les images qu'il absorbe quotidiennement. Mais son humour décapant, la précision de ses montages, le large éventail de ses sujets, en on fait une figure majeure de la sous-culture des vidéos du net.

La sous-culture de la vidéo internet

Au centre de cette culture, le pillage sans vergogne des oeuvres sous copyright. Contrairement à la culture de l'open source ou des casseurs de pub, on ne trouve pas ici au centre de cette pratique un discours revendicateur sur le libre accès à la création et l'oppression des grands groupes. La vidéo youtube détournée prend sans respect ce qu'on lui donne à manger. Le détournement n'est pas utilisé pour démonter le discours dominant, mais de fabriquer quelque chose d'autre à partir du matériau le plus proche et disponible car "offert" en échange d'un espace de cerveau disponible, pour reprendre la célèbre phrase de Patrick Le Lay, directeur de TF1 en 2004.

Beaucoup de vidéos postées sur le net on été frappées de censure au nom des droits d'auteurs. On se souvient de l'intimidation subie par l'auteur de "prison biesse", détournement de "Prison break" en patois liègeois, par la Century Fox. Il est donc étonnant que Mozinor aie pu résister à la pression des sociétés auxquelles les images qu'il détourne appartiennent.

La critique sociale, la satire politique sont présentes dans les séquences doublées de Mozinor, mais il ne cloisonne pas ses sujets. Son amour du funk, par exemple, contamine régulièrement sa critique de la politique, et ses acteurs fétiches (de Stallone à Christophe Lambert) sont employés dans des rôles divers allant des peines de coeur à la sauvegarde des forêts amazoniennes.

C'est cette dynamique, gagnée au fil des années de travail de sélection, de montage et de doublage, qui élève Mozinor au dessus de millions d'autres vidéos stockées sur les serveurs de la galaxie "web 2.0".

En 2008, il s'incarne dans l'acteur Christopher Walken et produit grâce à un montage de plusieurs films de l'acteur son plus long travail, le touchant et autoréférentiel "Deadzone : grosse fatigue ou : Les Tourments du détournement", dans lequel il confesse un essoufflement pour son travail.

Mozinor a été largement influencé par "La classe américaine", une vidéo produite par Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette sur base du catalogue de la Warner. L'histoire veut que la Warner mis à disposition de Canal+ 3000 films de son catalogue à l'occasion de son centenaire en 1993. Hazanavicius et Mézerette vont saisir l'occasion pour fabriquer un long métrage détourné aux dialogues réécrits qu'il pourront faire doubler avec les acteurs de doublage "officiel" de chaque acteur grâce à leur relations avec le milieu professionnel. John Wayne, "acteur" principal sera ainsi doublé par Raymond Loyer.

Un best-of de l'oeuvre de mozinor a d'ailleurs été projeté au musée Georges Pompidou à l'occasion de la projection de "La classe américaine" en 2009, en absence de l'artiste.

Les vidéos

Son travail le plus connu est le fameux "bite it" basé sur le clip de Michael Jackson. On lui préférera d'autres, comme le "Georges Brassens et la puissance de la fonk", l'hilarant "Benny", ou le quasi expérimental "amour du risque".

D'autres oeuvres approchantes

The french democracy de Alex Chan, commenté ici

"The french democracy" de Alex Chan, 2006

Stéphane Noel — 2008-07-23T00:06:29Z

Le film ultracheap "The french democracy" condense plusieurs aspects intéressants des arts numériques : outils numériques détournés, hybridation entre haute technologie et basse technologie, activisme, diffusion virale et fulgurance artistique.

Techniquement, il s'agit d'un machinima (voir ci-dessous) qui fait un zoom arrière sur les événements des émeutes de 2005 en France. Partant du fait divers initial (2 ados meurent électrifiés en essayant d'échapper à la police), le film met bout à bout une série de situations, montrées comme autant de bombes à retardement : allochtones rejetés sans ménagement - ou au contraire avec hypocrisie - du milieu du travail, durcissement cynique des politiques sociales, opportunisme politique des politiques de répression, etc.
C'est ce point de vue détaché (le film ne prêche pas pour une communauté immigrée) mais engagé (la pauvreté est montrée dans ce qu'elle a de stigmatisant, le pouvoir dans ce qu'il produit de cynique) qui a valu le succès du film, mais son esthétique complètement neutralisée n'y est pas pour rien non plus.
En effet, impossible de penser que Chan a façonné ses personnages à la façon de l'actor studio : les personnages bras ballants qui peuplent son film sont des figures de synthèse au sens plein du terme, ils correspondent à une typologie anonyme qui convient parfaitement à son propos.

L'hybridation high tech/low tech

La petite histoire du net raconte que le premier mail "non-scientifique" fut envoyé par un chercheur qui avait oublié son parapluie lors d'un séminaire dans un centre de recherche. Rentré directement dans son centre de recherche par avion, il a profité de la présence sur place de collègues pour leur demander de rapatrier son parapluie, non sans éprouver une certaine honte d'utiliser Arpanet - le premier réseau, une quinzaine d'ordinateurs connectés, des millions de dollars investis - sous un prétexte aussi trivial. L'anecdote doit se passer au début des années 70 (j'ai perdu les sources, si quelqu'un retrouve trace de cette anecdote, je suis preneur).

La gène de ce scientifique est incompréhensible aujourd'hui car nous utilisons quotidiennement des outils surpuissants pour des usages complètement anecdotiques. Surabondance de moyens par rapport à une fin : c'est la définition même du kitsh.

The french democracy - Alex Chan, 2005 (Flash Video, 40.6 Mio)

Le paradoxe du numérique est que la pauvreté de moyen y cotoie la surabondance de moyen. Le film de machinima "The french democracy" en est un parfait exemple. D'un côté un film plat, aux couleurs criardes, pixellisé, bourré d'erreurs 3D, avec des personnages gigotant anarchiquement avec une seule expression sur le visage, le tout sur une musique poussive avec des sous titres plein de fautes. De l'autre, un outil de gestion d'espace 3D, avec personnages modélisés, déplacements de caméra virtuelle, exportation d'une animation 3D vers une séquence vidéo, montage numérique, dépôt sur une plateforme de diffusion dynamique.
Autant d'outils hors de portée du quidam il y a seulement 10 ans.

Outils préprogrammés et détournement artistique

Ce machinima est basé sur un jeu vidéo. Un des usages résiduels de ce jeu, jeté en patûre à ses détenteurs de licence, consistait à exporter des scènes 3D avec personnages vaguement animés, grâce à un interface codé à la hâte et outils grossiers. Ce gadget foireux, qui semble emprisonner son utilisateur dans quelques utilisations pré-pensées et pré-programmées, a généré des objets étonnants. Par ceux qui ont accepté ses limites et ont exploité ce qu'il pouvait offrir : la possibilité de s'affranchir d'une caméra dv et de 3 potes rigolards, de dizaines d'heures à tourner des plans foireux dans le salon redécoré en bureau. Et de faire, seul, sans dessiner, un film d'animation avec une quinzaine de personnages, des décors en intérieur et extérieur. Enfin, par la narration, passer au dessus du marquage culturel américain des décors et personnages pour situer l'histoire en France.

Diffusion virale

La vidéo, déposée sur le portail du jeu "the movies" a rapidement fait le tour de la planète, portée par l'ampleur des émeutes qui venaient juste de s'éteindre, et a été copiée en milliers d'exemplaires, faisant de Alex Chan une vedette. Mal à l'aise, il a répété sans cesse n'avoir rien inventé, avoir juste pris ce qui se trouvait sous la main. Et c'est ce qui donne pourtant la valeur de son travail.

Fulgurance artistique à l'ère numérique

On souhaite une longue carrière artistique à Chan, mais il est probable qu'il ne rééditera pas l'exploit de ce premier film. La fulgurance, cette capacité a produire un acte incisif, juste, et immédiatement perçu comme tel par ceux qui en vivent l'expérience, est un des modes de production artistique qui m'intéresse le plus, mais elle est cruelle pour ses auteurs.

L'art numérique, encore balbutiant, produit nombre de ces oeuvres orphelines, qui vivent par delà leurs auteurs, et disparaissent faute de relais institutionnels et de lieux de mémoire. C'est au final le rêve de la modernité, que l'artiste disparaissent derrière son oeuvre, et qu'ensemble ils se dissolvent dans leur utilité sociale.

Appendice : Interview de Alex Chan
Texte sur le site original

Votre critique des médias est assez aiguisée. Que leur reprochez-vous ?
Je vis à La Courneuve, en banlieue parisienne, depuis quatre ans. Je vois la réalité en pleine face et je ne la retrouve pas dans les médias. Pendant les émeutes de 2005, je voyais passer des semi-remorques remplis d'épaves de voitures brûlées. Alors j'ai cogité dans tous les sens jusqu'à ce que je trouve un outil pour m'exprimer et donner une voix différente, une voix qui fasse contrepoids.

Une voix pour dire quoi ?
Il y a plein de choses que je ne comprends pas dans notre monde : pourquoi Le Pen fait un plus gros score en 2002 que toute la gauche réunie ? Pourquoi TF1 arrive toujours en tête des audiences, et resterait en tête même si Arte diffusait du porno ? Pourquoi, lors des émeutes de la gare du Nord il y a quelques semaines, c'est la version du ministère de l'Intérieur qui prime sur la version des gens ? Moi, j'ai envie de comprendre et de relayer ce que ces gens disent.

Comment procédez-vous ?
Je recueille la parole des gens sur l'actualité, comme dans un documentaire. Ensuite, je m'appuie sur ce qu'ils disent pour inventer des figures animées qui vont reprendre leurs propos. Quand un passant me dit qu'il "veut donner sa vie pour la patrie", je le représente sous la forme d'un squelette. Quand un autre aborde la productivité, c'est un robot qui s'en fait le porte-voix. J'essaie d'être cohérent avec le contenu.

Pour moi, c'est de l'animation cheap, construite à partir d'un jeu. J'ai balancé les vidéos sur Internet, comme tout le monde. Ensuite, on m'a appris que ce que je faisais, cela s'appelle du "machinima", un procédé qui date des années 1990 et permet de réaliser des courts métrages en utilisant des moteurs de jeux vidéos. Certains cuisinent des légumes du marché et des produits du terroir quand moi, j'utilise du surgelé. Mais attention, ce n'est pas pour autant que je rends que les gens obèses.

Donc vos vidéos ne sont pas que pour les geeks, fans de technologies et de gadgets ?
En regardant mes vidéos, les spectateurs ne voient pas des jeux vidéo, ils voient un mini film. Lorsqu'il y a eu des projections publiques, j'ai été surpris que le public ne fasse pas attention aux moyens de production.
_ C'est la force du médium qui arrive à transmettre des émotions. Ce ne sont pas les outils qui font le succès de ces vidéos, mais c'est ce qu'on a à dire.

DR Â¦ Les créatures d'Alex Chan - Propos recueillis par Alice Antheaume